Slash aurait pu le dire le mieux: « il n’y a pas de mensonge avec la guitare acoustique. Il y a quelque chose de très pur et très humiliant, à ce sujet. »
Une déclaration profonde venant de l’un des guitaristes électriques les plus célèbres du rock ‘n’ roll.,
Les 10 meilleures chansons acoustiques des Beatles
mais se déshabillent toute la boue des overdubs multicouches, des effets de rack et des symphonies sans fin de pistes, et vous séparez les Dodgers qui se cachent derrière la magie du studio et les artistes qui connaissent une grande chanson n’ont besoin que de six cordes et d’une mélodie.
Voici 25 des meilleurs rockeurs acoustiques du hard-rock., Certains sont de pures confitures acoustiques, d’autres ne commencent que de cette façon avant de monter dans de grands opus. Mais ce qui rend ces chansons emblématiques est leur simplicité élémentaire. En d’autres termes, tout ce dont vous avez besoin pour leur donner vie est une guitare acoustique et un peu de sensation.
et d’après les looks de ces rockers, certains bijoux voyants aident. Notez que ces chansons ne sont pas présentées dans un ordre particulier.,
Led Zeppelin – Stairway To Heaven (1971)
Led Zeppelin III était en grande partie une affaire unplugged, mais Stairway to Heaven, de la suite du groupe, remporte le prix d’excellence de la guitare acoustique. Les arpèges délicatement choisis par Jimmy Page ont fait de la chanson Zeppelin-et-rock-le moment acoustique définitif.
Au fil des ans, Stairway to Heaven a dominé d’innombrables listes de « plus grandes chansons rock de tous les temps », grâce à son mélange envoûtant de mysticisme lyrique, de génie de composition et de production et de virtuosité instrumentale.,
Mais son moment le plus célèbre reste L’intro non accompagnée de Page: qu’elle soit entendue à la radio ou jouée par un enfant boutonneux dans un magasin de guitare, il suffit de ces premières notes de guitare acoustique et vous pouvez instantanément nommer cet air.
Boston – More Than a Feeling (1976)
Les leads planants de Tom Scholz (enregistrés avec une première version de son ampli Rockman) et les rythmes croquants et multi-tracks de guitare électrique ont plus qu’un peu à voir avec More Than A Feeling devenant l’un des hymnes les plus durables du rock classique., Mais c’est l’intro acoustique rythmée et arpégée de la chanson qui met les fans dans l’ambiance.
travaillant comme une sorte de one-man band dans son sous-sol, Scholz, l’un des premiers bricoleurs de la musique, a joué toutes les parties de guitare sur Feeling. Pour l’intro et les couplets arpégés, il a utilisé un Yamaha 12 cordes; les refrains plus complètement grattés appelaient un Guild D-40.
un peu de trivia: notant les similitudes entre More Than a Feeling et Smells Like Teen Spirit, Kurt Cobain a taquiné les fans au Reading Festival de Nirvana en 1992 avec quelques bars du classique de Boston.,
Kansas – Dust In The Wind (1977)
quand Vicci Livgren a entendu son mari, le guitariste du Kansas Kerry, pratiquer des exercices de doigts sur son acoustique un jour, elle lui a dit qu’elle y avait entendu une chanson et lui a suggéré d’ajouter quelques paroles. Il a écouté, et le résultat était de la poussière dans le vent.
s’écartant de la bombe prog-rock caractéristique du Kansas, « Dust in The Wind » était une méditation austère et plaintive sur le sens de la vie., Alors que beaucoup supposent que la piste comporte une acoustique à 12 cordes, le son riche unplugged est en fait le résultat de plusieurs six cordes (quelques-unes à Nashville), jouées par Livgren et son co-guitariste Rich Williams.
La chanson est devenue le seul Single Top-10 de Kansas, se classant à la sixième place en 1978. Dans les années qui ont suivi, il est devenu une pierre de touche culturelle, apparaissant partout, des émissions de télévision comme Les Simpson et Family Guy aux films comme Bill & Ted’s Excellent Adventure and Old School.,
The Rolling Stones – Street Fighting Man (1968)
on pourrait supposer que ce rebel yell, sorti pendant l’été tumultueux de 1968, ferait rage au son des guitares électriques. Pas si: à l’exception d’une basse électrique, jouée par Keith Richards, le morceau est 100% acoustique.
en préparant une démo pour la chanson, Richards a micro deux acoustiques et les a enregistrées dans un magnétophone Mono Phillips bon marché., Le guitariste était tellement épris de la distorsion qui en résultait (la machine n’avait pas de limiteurs, provoquant une surcharge du signal) qu’il a décidé d’aller au naturel et d’abandonner l’électricité.
The Who – Pinball Wizard (1969)
en 1969, Pete Townshend était connu autant pour casser des guitares que pour en jouer. Mais sur The Who’s ground breaking Tommy, il a démontré des compétences étonnantes en six cordes.
et avec une acoustique dans les mains (regardez It’s A Boy pour un travail habile de blues-meets-flamenco), il était imparable., Bien que l’électricité renforce les couplets et les refrains de la pièce maîtresse de L’album, Pinball Wizard, une Gibson J-200 acoustic de 1968 est l’instrument dominant tout au long de l’album.
Les accords de barre furieusement grattés de Townshend (qu’il jugeait « faux baroques »), entendus dans la section intro et breakdown, fournissent le genre de puissance et de majesté qui sied à un véritable opéra rock.,
Bad Company – Feel Like Makin’ Love (1975)
en tant que premier groupe signé sur le label Swan Song de Led Zeppelin, Bad Company, dirigé par L’ancien chanteur libre Paul Rodgers et l’ancien guitariste de Mott The Hoople Mick Ralphs, a suivi l’exemple de leurs patrons et s’est spécialisé dans le blues rock
prenant une autre leçon des Zepmen, Ralphs a juxtaposé l’acoustique des carillons avec des accords de puissance explosifs sur ce top 10 smash, à un effet merveilleux.,
L’acoustique lumineuse et joyeuse donne une ambiance détendue et Country aux couplets, tandis que les guitares électriques du refrain hurlent avec un gros rock britannique impétueux. Vraisemblablement, pas mal de gens avaient envie de faire le méchant après avoir entendu cette coupe.
Johnny Thunders – So Alone (1978)
en tant que membre des glam-rockers proto-punk the New York Dolls, et plus tard avec son propre groupe, The Heartbreakers, Johnny Thunders a su dish out rock à trois accords rugueux et en lambeaux. Et avec une Les Paul Junior en bandoulière bien en dessous de sa taille, il avait « cool » écrit partout sur lui.,
c’est donc une surprise lorsque Thunders, sur son premier album solo, a publié cette ballade acoustique poétique. Tempérant son style de frappe breveté, l’auteur-compositeur-interprète expose son style de vie junkie avec une franchise sans faille, caressant pratiquement ses cordes de guitare dans le processus.
mélancolique et pleine de remords, la chanson est devenue une sorte d’Élégie pour The troubled Thunders, qui est mort d’une apparente overdose de drogue en 1991. (Le titre de la chanson, il convient de noter, a été retiré d’une ligne parlée dans un épisode de la sitcom télévisée des années 50 The Honeymooners. Punk, rock, en effet.,)
Rush – Closer To the Heart (1977)
en 1977, Rush s’était fermement établi comme de beaux pourvoyeurs de glorieux opus de science-fiction de 20 minutes qui pouvaient remplir des faces entières de l’album. Mais lors de cette cinquième sortie en studio, le trio prog canadien a démontré sa capacité à être accrocheur, concis et, avec Closer to the Heart, radio-friendly.
peut-être l’aspect le plus surprenant de l’intro de guitare acoustique 12 cordes douce et sonnante de la chanson est qu’elle a été écrite par le bassiste Geddy Lee, plutôt que par le guitariste Alex Lifeson., La même figure est ensuite répétée après un solo de guitare électrique particulièrement déchirant-mais cette fois, l’acoustique à 12 cordes est intelligemment doublée par une Électrique à six cordes.
en ce qui concerne Rush, bien sûr, la contribution du batteur extraordinaire Neil Peart ne peut jamais être négligée. Ici, il ajoute beaucoup de cloches et de sifflets tout au long. Ok… ils sont en fait des carillons.
Yes-Roundabout (1971)
prenez une acoustique Martin 00-8, arrachez des harmoniques d’octave à la 12e frette (comprenant essentiellement un accord Em) et le tour est joué!, – vous aurez toute une salle de gars de guitare assis et prenant note. Et pour cause: ce simple mouvement est la signature de Steve Howe en ouverture de Roundabout, le succès révolutionnaire de Yes en 1971.
dépassez L’intro non accompagnée harmonique de Howe, et vous aurez peut-être une chance de maîtriser ce chef-d’œuvre de prog-rock complexe, dans lequel l’acoustique et l’électricité, jouées dans une splendeur classique, jazzy et Rock, se tissent, se détachent et se « roundabout ». En ce qui concerne les paroles, c’est prog – vous êtes seul là-bas.,
Randy Rhoads – Dee (1980)
avec sa touche inventive et néoclassique sur le bag of tricks déjà établi D’Eddie Van Halen, Randy Rhoads est devenu le nouveau roi de la guitare heavy metal après que les fans aient entendu son travail sur le premier solo D’Ozzy Osbourne en 1980, Blizzard of Ozz. Mais alors que les rockeurs électrifiés Ozz comme Crazy Train et I Don’t Know ont séduit les masses métalliques, c’est la pièce classique solo Dee qui a été le véritable chef-d’œuvre de Rhoads.,
Rhoads a grandi dans une famille de musiciens – sa mère, Delores, dirige une école de musique à North Hollywood, en Californie – il était donc normal que « Dee », toutes les 49 secondes, rendent hommage à la femme qui a inspiré et nourri ses rêves. Piquée au doigt sur une acoustique forte en nylon, la pièce est tour à tour ludique, mélancolique, déchirante et pleine d’espoir.
tragiquement, Rhoads a été tué dans un accident d’avion en 1982, à l’âge de 25 ans. Cinq ans plus tard, Ozzy Osbourne a inclus une version studio étendue de Dee sur son album Tribute, nous rappelant à tous le talent immense et largement inexploité de Rhoads.,
Van Halen – serait-Ce de la Magie? (1980)
Eddie Van Halen a donné beaucoup à croquer aux fétichistes acoustiques en 1979 avec Spanish Fly, un instrumental de flamenco rapide pour colibris de Van Halen II. mais les guitaristes de tous bords ont trouvé beaucoup à aimer dans le bluesy-et boozy, légèrement décalé pourrait-il être magique?
la piste, qui marque le premier moment de goulot d’étranglement enregistré par le guitariste, trouve la diapositive acoustique fantaisiste D’Eddie jouant habilement l’ombre de la voix de David Lee Roth sur les couplets.,
L’idée d’utiliser une diapositive est venue du producteur Ted Templeman, Et alors Qu’Eddie était initialement méfiant de l’essayer, il s’est entraîné pendant quelques jours et, dans le style typique de VH, a retiré la partie avec aplomb.
Une autre première: cela pourrait-il être magique? représente les débuts d’un chanteur extérieur sur un album Van Halen. Templeman a suggéré un son différent pour l’un des refrains et a fait appel à la chanteuse country Nicolette Larson, qui travaillait dans un studio voisin, pour apporter un soutien vocal. Écoutez attentivement le solo de diapositive D’Eddie pour entendre Larson et Diamond Dave faire une douce magie harmonisée.,
Bon Jovi – Slippery When Wet (1986)
L’histoire est une légende: Jon Bon Jovi et Richie Sambora montent dans les MTV Video Music Awards de 1989, font le duo acoustique sur Wanted Dead or Alive, et avant de pouvoir dire « dreadnought », la série Unplugged est née.
La chanson n’est pas en reste non plus. Là-dessus, Sambora pose un travail de doigt acoustique de fantaisie, choisissant des arpèges descendants et des virages bluesy alors que JBJ déploie sa fascination pour le vieil Ouest dans une histoire sur la lassitude de la vie sur la route.,
le résultat a été un succès retentissant, assurant que Bon Jovi verrait un million de visages et les rockerait tous pendant de nombreuses années à venir.
Metallica – Fade To Black (1984)
enregistré dans les premiers jours du thrash, Fade to Black est à juste titre reconnu comme la première « power ballade » du genre. Une rumination de sept minutes sur le désespoir et le suicide, la chanson est construite autour du picking acoustique triste et arpégé du chanteur et guitariste James Hetfield, sur lequel Kirk Hammett ajoute quelques pistes électriques magnifiques et planantes.,
bien sûr, Ceci étant Metallica, les choses restent douces et moelleuses pour seulement si longtemps. À mi-chemin, la chanson gagne en intensité, change de rythme et ajoute beaucoup de six cordes fortement déformées, culminant dans un solo Hammett étendu et explosif.
alors que les metalheads hardcore à L’époque accusaient Metallica de vendre en enregistrant une ballade, Fade To Black reste l’une des chansons les plus connues et les plus aimées du groupe, et c’est un incontournable du concert à ce jour. En outre, comme L’a dit Hetfield, » se limiter à faire plaisir à son public est une connerie., »
Poison – Every Rose Has Its Thorn (1988)
quand on pense aux power ballades des années 80, une chanson se dresse tête, cheveux et épaules au-dessus du reste: chaque Rose a son épine.
écrit par le chanteur Bret Michaels après avoir découvert que sa petite amie le trompait, le hit de 1988 a prouvé que les mecs glam-metal ont aussi des sentiments.
alors que la version enregistrée comporte un solo de guitare électrique typiquement histrionique de C. C. DeVille de Poison, la franchise lyrique de Michaels, la construction de chansons solides et le jeu acoustique puissant régissent la journée.,
Michaels a dit que « les gens liés à la chanson parce que je lié à la chanson, » et en effet, chaque Rose a son épine, qui a frappé le numéro un en 1988, est depuis devenu un air déterminant de l’époque. Quant à cette petite amie, elle est maintenant un investisseur de fonds spéculatifs.
Guns N’ Roses – Patience (1988)
bien que GN’R Lies comporte un certain nombre de pistes acoustiques, y compris le country-ish, sombre Comique utilisé pour L’aimer (« but I had to kill her »)…, ), c’est The lovelorn Patience, une ballade au rythme glacial, qui a marqué le virage à gauche le plus radical pour le groupe normalement hard Rock, et leur a également donné l’un de leurs plus grands succès.
la chanson a été enregistrée en une seule prise, avec les guitaristes Slash et Izzy Stradlin et le bassiste Duff McKagan en acoustique. Axl Rose, pour sa part, contribue quelques sifflements fins à l’intro.
Les deux dernières minutes sont comme le moment Kumbaya de Gn’R, avec tout le groupe roucoulant le titre de la chanson en douce harmonie. Tout le monde s’est disputé, mais c’est une autre histoire.,
Jane’s Addiction – Jane Says (1988)
il dure cinq minutes, ne comporte que deux accords (sol et la) et, avec son ornementation de steel drum, sonne comme quelque chose que Jimmy Buffett aurait pu évoquer après une orgie de gâteau éponge et de margaritas de trois jours. Néanmoins, Jane Says reste l’une des chansons les plus durables du groupe de punk-metal de Los Angeles.
peut-être que sa durabilité peut être attribuée au fait qu’il ne rentre pas parfaitement dans le canon du groupe., Au lieu de métal frénétique et psychédélique envoyé avec une force tectonique, nous obtenons une chanson acoustique mélancolique et directe, faite sur mesure pour les feux de camp et les barbecues dans la Cour. Venant de Perry Farrell, Dave Navarro et Cie. que c’est assez choquant.
Extreme – More Than Words (1990)
à la fin des années 80, Extreme s’est taillé une place comme le hard rock le plus funky du bloc, avec un son qui, grâce au guitar hero Nuno Bettencourt, chevauchait la ligne entre Van Halen shred et Aerosmith strut., Et c’était donc quelque chose d’un coup de pied dans la tête quand Bettencourt et le chanteur Gary Cherone ont déchaîné L’hommage des Everly Brothers plus que des mots.
mis à part quelques claquements de doigts, le seul accompagnement des voix harmonisantes de Cherone et Bettencourt était le fingerpicking de Bettencourt sur une acoustique Washburn et le coup de percussion de sa main contre le dessus de la guitare.
18.Le résultat a été un succès retentissant: More Than Words a atteint le numéro un du Billboard en 1991, et a conduit une génération de héros déchiquetés potentiels à poser l’électrique, à saisir une acoustique et à en sortir.,
Les Black Crowes – Elle Parle Aux Anges (1990)
Jaloux de Nouveau, deux fois plus Dur et Difficile de mettre la Poignée Atlanta Black Crowes sur la carte comme un rauque, véritable article de blues-rock ensemble. Mais c’est ce numéro acoustique émouvant sur les ravages de la dépendance à l’héroïne qui a mis le groupe sur le dessus-et lui a donné une chanson numéro un.
pour l’enregistrement, le guitariste Rich Robinson (qui a écrit la musique de la chanson alors qu’il n’avait que 15 ans) a joué un Martin D-28 en Open D tuning., Bien qu’il ait capoté la 2ème frette, lui donnant effectivement un accord ouvert de mi, il y a une certaine sensation et texture à son son qui correspond à la nature déchirante de la piste. Ajoutez à cela la voix soul et aspirante de frère Chris Robinson, et vous avez quelque chose de vraiment céleste.
Queensrÿche – Silent Lucidity (1990)
disons que vous êtes un groupe de metal progressif (originaire de Seattle, of all places), surtout connu pour avoir sorti un album concept kitchen-sink (Operation: Mindcrime, 1988) sur le renversement du gouvernement… ou quelque chose comme ça. Que voulez-vous faire un rappel?, Si vous êtes Queensrÿche, vous concoctez une chanson acoustique sur la conscience du rêve … ou quelque chose comme ça.
Silent Lucidity met en vedette L’auteur-compositeur et guitariste de Queensrÿche Chris DeGarmo à la guitare espagnole à six cordes dans l’intro et les couplets, jouant un motif doucement arpégé qui mélange magnifiquement notes frettées et cordes ouvertes.
la chanson dérive régulièrement, ajoutant de l’électricité, des voix off et une orchestration gonflée jusqu’à pratiquement casser les coutures avec le son. Et pourtant, il se termine comme il a commencé, avec Lone acoustic de DeGarmo. Et puis, le silence.,
Alice In Chains – No Excuses (1994)
avec leur EP principalement acoustique de 1992, Sap, Alice in Chains a fait remarquer qu’ils avaient plus à offrir qu’un simple grunge Déformé. Mélodique et plein de beauté sombre, Sap a préparé le terrain pour Jar of Flies, qui a fermement établi AIC comme un groupe d’une profondeur peu commune, bien que très sombre.
No Excuses a marqué quelque chose d’un départ pour le groupe. Avec son rythme doux et facile à vivre et ses paroles pleines d’espoir (pour Alice in Chains, du moins) sur les collines et les vallées endurantes de la vie, No Excuses est pratiquement toe-tappin’ et good-timey.,
Mais la vraie révélation est le son acoustique large comme le Grand Canyon du guitariste Jerry Cantrell-plein, sonnant et bourdonnant pendant des jours. Aucune excuse nécessaire pour cela du tout.
Green Day – Good Riddance (Time of Your Life) (1997)
lors de l’enregistrement de ce qui serait la version album de cette ballade acoustique, le leader de Green Day, Billie Joe Armstrong, a lancé l’accord D’ouverture en G / D – deux fois – et après la deuxième fois, « Fuck., »
heureusement, il a persévéré et, malgré le juron prononcé, Good Riddance (Time of Your Life) a connu un énorme succès de crossover et est le plus grand succès du groupe à ce jour. Qui n’avait prévu.
à L’époque, Green Day était considéré comme un peu plus que morveux, bien que multi-platine, les ruffians de la région de la baie, et une ballade acoustique à la guitare et aux cordes n’était pas ce que la plupart des gens s’attendaient à entendre d’eux.
pour cette raison, le bassiste Mike Dirnt a qualifié la chanson de « chose la plus punk » qu’ils auraient pu faire., Ce qui montre que même les punks peuvent porter leur cœur sur leurs manches.
Nirvana – Lake Of Fire (1994)
pour leur apparition sur MTV Unplugged, Nirvana s’est abstenu de jouer certains de leurs plus grands succès (no Smells Like Teen Spirit, pour un) au profit de matériel moins connu et de reprises de chansons d’artistes qu’ils connaissaient et admiraient.
L’un de ces artistes était les Meat Puppets D’Arizona, un favori particulier de Kurt Cobain., C’est ainsi que, dans la nuit du 18 novembre 1993, sur une scène ornée de fleurs et de bougies noires, Cobain invite Curt et Cris Kirkwood, les marionnettes, pour, entre autres airs, une douce traversée de leur Lac de feu marécageux.
avec Krist Novoselic, Dave Grohl et The Kirkwoods qui tiennent l’accompagnement, Cobain a mis de côté sa guitare pour parfaire le chant, hurlant son chemin à travers les paroles impressionnistes.
la performance est devenue l’un des moments forts du spectacle, et à ce jour, la chanson est aussi associée à Nirvana qu’à ses créateurs.,
Foo Fighters – Everlong (acoustic) (2006)
la version intégrale D’Everlong, qui apparaît sur L’album The Colour and the Shape des Foo Fighters en 1997, était un morceau de rock déchaîné qui semblait difficile à battre. Mais lorsque Dave Grohl est apparu dans L’émission de radio de Howard Stern plus tard cette année-là et a interprété une version acoustique impromptue, les auditeurs se sont déchaînés et les bootlegs ont rapidement abondé. (David Letterman appellera plus tard Everlong sa « chanson préférée ».,)
musicalement, la composition est positivement Townshend-esque, construite autour d’une progression simple et mobile dans un accordage drop-D (Ré-La-Ré-Sol-Si-Mi). La version studio met en vedette Dave Grohl pompant sauvagement à la batterie (Taylor Hawkins n’avait pas encore rejoint le groupe), mais c’est sa lecture acoustique solo tendue et entraînante qui donne vraiment des impulsions qui accélèrent.,
Staind – Outside (2001)
des guitares électriques boueuses et à l’écoute réduite bulldozent les refrains de l’enregistrement officiel, mais à l’origine cette chanson était une ballade entièrement acoustique: le chanteur de Staind, Aaron Lewis, interprétait une version à moitié finie de Outside lors de concerts solo.
Une nuit à Biloxi, Mississippi, alors que Staind se préparait à ouvrir pour Limp Bizkit sur la tournée Family Values de 1999, le chanteur a été invité à faire un numéro avec Fred Durst fournissant les chœurs.,
sur scène, Lewis est venu avec les paroles pour compléter le morceau qu’il avait travaillé pendant des mois. Les stations de Radio ont repris la version acoustique en direct et ont aidé à créer un buzz pendant des mois avant la sortie de la version officielle sur Break the Cycle. La chanson-et le succès de l’album-a lancé un millier de power ballades nu-métal dans son sillage.
Nickelback – Photography (2005)
Il s’est vendu à plus de 1,4 million de téléchargements numériques aux États-Unis.,, a atteint le numéro deux du Billboard Hot 100 et a été élu cinquième « chanson la plus ennuyeuse de tous les temps » dans un sondage Rolling Stone. C’est le cas de la photo de Nickelback: aimer ou détester, la mélodie fait réagir.
comme beaucoup de power ballad teintées de country, les guitares électriques mettent le feu aux refrains de la chanson, mais L’épine dorsale de photography repose dans le grattage sincère d’une hache débranchée. Et si C’est une formule que Chad Kroeger and Co. ont répété à grand succès, ainsi ont des dizaines de groupes de rock modernes qui ont suivi dans le sillage du groupe.,
Il y a de fortes Chances que lorsqu’une power ballade avec de grosses guitares et un refrain encore plus grand se fraye un chemin dans les charts aujourd’hui, il y a un peu de cette magie photographique quelque part.
