Biographie de Pierre-Auguste Renoir
enfance
Pierre-Auguste Renoir est né dans une famille ouvrière à Limoges, une ville du centre-ouest de la France. La région est historiquement importante en tant que centre de production de porcelaine française, atteignant ce statut au 19ème siècle. À juste titre, le premier travail artistique de Renoir, pendant son adolescence, était comme peintre dans l’une des usines de porcelaine de la ville., Fils d’un tailleur et d’une couturière, Renoir avait une main ferme et un talent pour l’effet décoratif, ce qui lui a valu les éloges de ses employeurs et l’a attiré l’attention d’une clientèle croissante, y compris un certain nombre de clients fortunés pour lesquels il a peint des tentures et des décorations pour éventails et autres objets de luxe. Ces premiers succès nourrissent son désir de quitter l’usine et de poursuivre la peinture aux Beaux-arts.,
pour compenser la formation limitée qu’il reçoit à Limoges, Renoir commence en 1860 à faire de fréquents voyages pour visiter le Louvre à Paris afin d’étudier le travail des maîtres Rococo français Jean-Antoine Watteau, Jean-Honoré Fragonard et François Boucher, et du peintre romantique Eugène Delacroix. Bien que Delacroix et les peintres Rococo aient travaillé à près d’un siècle d’intervalle, Renoir a reconnu des similitudes dans leur manipulation douce et lâche de la peinture, qui montrait des coups de pinceau individuels, et leur étreinte de la couleur et du mouvement plutôt que la clarté classique de la forme soigneusement composée.,
formation initiale
en 1862, Renoir a commencé sa formation formelle auprès de Charles Gleyre, un peintre académique d’origine Suisse qui a instruit un certain nombre de peintres talentueux, parmi lesquels Claude Monet, Alfred Sisley, et Frédéric Bazille, trois des futurs collègues impressionnistes de Renoir
pendant leur formation, Renoir et ses nouveaux amis s’aventuraient dans la pittoresque forêt de Fontainebleau pour s’adonner à la peinture en plein air., Cependant, contrairement à Monet et Sisley, Renoir a toujours maintenu un penchant pour l’atelier et pour la peinture de portraits plus traditionnels dans le style des maîtres français du 18ème siècle qu’il admirait tant. Fontainebleau est devenu un lieu de peinture préféré de Renoir et qu’il a visité fréquemment, en partie grâce à son ami Jules Le Coeur, un admirateur de son art qui possédait une maison à Bourron-Marlotte, une commune à la frontière sud de la forêt. En 1865, le cœur présente Renoir à Lise Tréhot, âgée de dix-sept ans, qui devient l’amante et le modèle préféré de Renoir pendant plusieurs années., Tréhot s’assit pour des dizaines de portraits, dont deux en 1867: Diane la Chasseresse, qui la dépeignait comme une déesse grecque à la un portrait Rococo, et Lise avec un Parasol, qui fut accueilli favorablement au Salon français de 1868. Bien conscient des normes strictes du Salon, Renoir exécute ces portraits dans un style de composition conventionnel, combinant des lignes douces et une coloration méticuleuse avec un naturalisme de fait qui rappelle le peintre réaliste Gustave Courbet, qu’il admire.,
pendant l’été 1869, Renoir et Monet passent deux mois à peindre à la Grenouillère, une station balnéaire au bord du lac pour la classe moyenne française située juste à L’extérieur de Paris. En effet, on peut affirmer que Renoir et Monet ont semé les graines de l’Impressionnisme à La Grenouillère. C’est ici que les deux hommes ont commencé à utiliser de larges coups de pinceau pour capturer des scènes momentanées avec un relâchement de sensation semblable à un croquis, capturant habilement le mouvement naturel de l’eau et l’effet réfléchissant sur la lumière.,
période de maturité
immédiatement après la brève mais tumultueuse guerre Franco-prussienne (dans laquelle Renoir a combattu) et l’occupation de la Commune française en 1871, les premiers succès de Renoir ont commencé à prendre une tournure pour le pire. Les refus du Salon étaient beaucoup plus nombreux que les acceptations, en grande partie à cause de la qualité « inachevée » de son nouveau travail. Sa fortune a atteint un point où Renoir a été confronté au choix de payer des modèles ou d’acheter de la peinture., Alors que D’autres de ses collègues comme Claude Monet et Camille Pissarro avaient cessé de le faire, Renoir a continué à soumettre des travaux au Salon jusqu’en 1873, tenant à la conviction que l’acceptation était un critère nécessaire pour le succès. Comme le note Petra Chu dans L’art européen du XIXe siècle: « dès 1881, le peintre impressionniste Auguste Renoir écrivait à son marchand Durand-Ruel: » à Paris, il y a à peine quinze collectionneurs capables d’aimer un peintre sans le soutien du Salon. Et il y en a encore quatre-vingt mille qui n’achèteront pas autant qu’une carte postale à moins que le peintre n’y expose., »De plus, son amitié avec la famille Le Coeur s’est envenimée en 1874, laissant Renoir sans cette source de mécénat et la possibilité de rester dans leur maison près de Fontainebleau.
à la suite du Salon de 1873, où les toiles des impressionnistes sont largement tournées, Renoir et ses cohortes commencent à planifier une exposition indépendante de leurs œuvres, libre des contraintes esthétiques du Salon et de son système de jury. La première exposition de groupe impressionniste a eu lieu le 15 avril 1874., Alors que Renoir vend peu d’œuvres à la suite de l’exposition, il attire l’attention du collectionneur Victor Chocquet, dont il peignra le portrait et qui deviendra quelque chose d’un Sauveur financier pendant cette période.
au moment de la quatrième exposition Impressionniste en 1878, Renoir tranquillement se sont abstenus. Il avait découvert l’indépendance financière grâce à des commandes régulières de portraits (ce qui lui avait valu d’autres succès au Salon) et était devenu désenchanté par l’idéologie de la spontanéité qui, selon lui, avait consumé le groupe., Peu de temps après s’être dissocié du groupe d’artistes qu’il a aidé à fonder, Renoir se rend pour la première fois en Italie, Voyage rendu possible par un accord financier qu’il avait conclu avec le marchand Paul Durand-Ruel. Au cours de ce séjour, il est venu de l’opinion que L’Impressionnisme n’a pas les fondements structurels qui avaient produit le grand art des maîtres de la Renaissance comme Raphaël. Comme il l’écrivit plus tard au marchand Ambroise Vollard, « au début des années 1880, il sentit qu’il avait atteint la fin de l’impressionnisme et qu’il ne pouvait ni peindre ni dessiner.,' »
ce pèlerinage a donc été une motivation pour Renoir à s’éloigner de la qualité lâche et accessoire de L’Impressionnisme vers des idées plus classiques de dessin, de composition et de modélisation. Ce changement avait, dans une certaine mesure, déjà commencé: Renoir a produit l’emblématique lunch of the Boating Party entre 1880 et 1881, juste avant de quitter la France, et il montre un ajustement de ses techniques picturales vers une plus grande unité de composition. L’accent de son travail mature ne serait plus exclusivement sur le pionnier de nouveaux modes d’expression du mouvement et de la couleur de la lumière et de la nature., Il se tourna plutôt vers la coloration du Rococo et de la Renaissance tardive, tendances soutenues par d’autres voyages en Italie, en Espagne et en Angleterre.
fin des années et mort
à l’approche du début du siècle, Renoir, désormais marié et père de trois fils (le dernier né en 1901), continue à produire des œuvres à un rythme impressionnant, malgré sa santé sans cesse défaillante. Une blessure au bras droit à la suite d’un accident de vélo l’avait laissé avec une arthrite sévère et des rhumatismes ont frappé son œil gauche., En 1910, il est la plupart du temps relégué à un fauteuil roulant et avec des bandages autour des mains, ce qui fait de la peinture un grand défi. La famille a acheté une maison à Cagnes-sur-Mer dans le sud de la France, qui a donné à Renoir un soulagement périodique de ses douleurs avec son climat sec et doux.
Au cours de la décennie précédente, Renoir s’était lié d’amitié avec le marchand D’art Vollard, qui est devenu à la fois un mécène important et un conseiller de confiance de l’artiste lorsqu’il s’agissait de choisir le sujet., En 1913, Vollard, bien conscient des limites physiques de Renoir, lui fait l’audacieuse suggestion de tenter la sculpture, en le présentant au sculpteur d’origine catalane Richard Guino. Malgré ses maux physiques, Renoir a pu réaliser plusieurs sculptures réussies au cours de sa collaboration avec Guino, qui a largement travaillé avec de l’argile.
influencé par ses voyages antérieurs en Espagne pour voir les œuvres de Francisco Goya, Renoir insuffla à ses peintures tardives un style de plus en plus monumental., Alors que ses collègues impressionnistes Claude Monet et Edgar Degas ont poursuivi les effets de la lumière presque au bord de l’abstraction plus tard dans leur carrière, Renoir a acquis une qualité solide, presque sculpturale dans les figures et les paysages qu’il a peints au crépuscule de sa carrière.
à L’hiver 1919, Renoir est victime d’une crise cardiaque à son domicile de Cagnes-sur-Mer. Peu de temps après, il est décédé le 3 décembre 1919, avec ses fils à ses côtés et plusieurs de ses œuvres accrochées au Louvre parmi les maîtres français qu’il y est allé étudier.,
L’héritage de Pierre-Auguste Renoir
on pourrait affirmer que Renoir et son collègue Monet sont à L’Impressionnisme comme Pablo Picasso et Georges Braque sont au cubisme: leurs expériences en peinture ensemble ont créé un idiome visuel entièrement moderne et ont marqué le territoire artistique que le mouvement allait
Il fut aussi le premier parmi ses collègues à reconnaître le cul-de-sac que présentait L’Impressionnisme., Bien que Paul Cézanne soit généralement crédité de la tentative « de faire de l’Impressionnisme quelque chose de solide et durable comme l’art des musées », cette crise du mouvement a été abordée de front par Renoir. Sa réintroduction bien documentée de la composition, du contour et du modelage dans sa peinture n’a jamais complètement effacé la réévaluation radicale de la couleur qu’il a contribué à théoriser aux côtés de Monet., En fin de compte, sa combinaison de modernité et de tradition a eu une grande influence sur une prochaine génération d’artistes, dont Pierre Bonnard, Pablo Picasso, Henri Matisse et Maurice Denis, qui ont tous rassemblé son travail.
