Edvard Munch, who never married, called his paintings his children and odied to be separated from them. Vivendo sozinho em sua propriedade fora de Oslo nos últimos 27 anos de sua vida, cada vez mais reverenciado e cada vez mais isolado, ele se cercou com trabalho que datou do início de sua longa carreira., Após sua morte, em 1944, com a idade de 80, as autoridades descobriram—por trás de portas trancadas no segundo andar de sua casa—uma coleção de 1.008 pinturas, 4,443 desenhos e 15,391 impressões, bem como xilogravuras, gravuras, litografias, pedras litográficas, xilogravura blocos, placas de cobre e fotografias. No entanto, em uma ironia final de sua vida difícil, Munch é famoso hoje como o criador de uma única imagem, que tem obscurecido sua realização global como um pintor pioneiro e influente e gravurista.O Grito de Munch é um ícone da arte moderna, uma Mona Lisa para o nosso tempo., Como Leonardo Da Vinci evocou um ideal renascentista de serenidade e autocontrolo, Munch definiu como nós vemos a nossa própria idade-dilacerada de ansiedade e incerteza. Sua pintura de uma criatura sem sexo, retorcida, com cara fetal, com boca e olhos abertos em um grito de horror, recriou uma visão que o havia tomado enquanto caminhava uma noite em sua juventude com dois amigos ao pôr-do-sol. Como ele descreveu mais tarde, o” ar transformou-se em sangue “e os” rostos dos meus camaradas tornaram-se um branco-amarelo avermelhado. Vibrando em seus ouvidos ele ouviu um enorme curso interminável de gritos através da natureza., Ele fez duas pinturas a óleo, dois pastéis e numerosas gravuras da imagem; as duas pinturas pertencem à Galeria Nacional de Oslo e ao Museu Munch, também em Oslo. Ambos foram roubados nos últimos anos, e o Museu Munch ainda está desaparecido. Os roubos só adicionaram infortúnio póstumo e notoriedade a uma vida repleta de ambos, e a atenção acrescida à imagem purlada tem distorcido ainda mais a reputação do artista.,
com o objetivo de corrigir o equilíbrio, uma grande retrospectiva da obra de Munch, a primeira a ser realizada em um Museu Americano em quase 30 anos, inaugurada no mês passado no Museu de Arte Moderna em Nova York. “Toda a gente sabe, mas toda a gente não conhece o Munch”, diz Kynaston McShine, o curador de MoMA em geral que organizou a exposição. “Todos eles têm a idéia de que conhecem Munch, mas realmente não conhecem.”
O Munch que se materializa neste show é um inovador inquieto cujas tragédias pessoais, doenças e fracassos alimentaram seu trabalho criativo., “O meu medo da vida é necessário para mim, como é a minha doença”, escreveu uma vez. “Sem ansiedade e doença, sou um navio sem rudder….My os sofrimentos fazem parte do meu eu e da minha arte. São indistinguíveis de mim, e a sua destruição destruiria a minha arte.”Munch acreditava que um pintor não deve simplesmente transcrever a realidade externa, mas deve registrar o impacto que uma cena lembrada teve em sua própria sensibilidade. Como demonstrado numa recente exposição de auto-retratos no moderno Museet em Estocolmo e na Royal Academy of Arts em Londres, grande parte do trabalho de Munch pode ser visto como auto-retratos., Mesmo para um artista, ele era excepcionalmente narcisista. “O trabalho de Munch é como uma autobiografia visual”, observa McShine.embora tenha começado sua carreira artística como estudante do pintor norueguês Christian Krohg, que defendia a representação realista da vida contemporânea conhecida como naturalismo, Munch desenvolveu um estilo psicologicamente carregado e expressivo para transmitir sensação emocional. Na verdade, quando ele ergueu o pincel para o cavalete, ele tipicamente já não prestava atenção ao seu modelo. “Eu não pinto o que vejo, mas o que vi”, explicou uma vez., Influenciado como um jovem por sua exposição em Paris ao trabalho de Gauguin e van Gogh, que ambos rejeitaram as convenções acadêmicas do Salão oficial, ele progrediu para formas simplificadas e blocos de cores intensas com o propósito declarado de transmitir sentimentos fortes. In early 1890, in a huff, Munch dit the class of an estimado Parisian painting teacher who had criticized him for portraying a rosy brick wall in the green shades that appeared to him in a retinal afterimage., De maneiras que antagonizou a arte contemporânea críticos, que o acusou de exposição “um descartados meia-esfregou-as esboço”, e zombavam dele “aleatório bolhas de cor,” ele poderia incorporar em suas pinturas de graffiti-como rabiscos, ou fino a sua tinta e deixe-o escorrer livremente.
a simplicidade radical de sua técnica de xilogravura, na qual ele muitas vezes usou apenas uma cor brilhante e expôs o grão da madeira na impressão, ainda pode parecer surpreendente novo., Para os xilogravuras, ele desenvolveu seu próprio método, incitando a imagem com traços largos e cortando os blocos de madeira acabados em seções que ele enfiou separadamente. Seu estilo de impressão, bem como a ousada composição e paleta de cores de suas pinturas, influenciaria profundamente os expressionistas alemães do início do século XX, incluindo Ernst Ludwig Kirchner e August Macke. Caracteristicamente, no entanto, Munch evitou o papel de mentor. Preferiu afastar-se.,”ele queria ser considerado um artista contemporâneo, não um velho Mestre”, diz Gerd Woll, curador sênior do Museu Munch. Ele abraçou o acaso sem medo. Os visitantes do seu estúdio ficaram chocados quando viram que ele tinha deixado os seus quadros à porta, com todo o tipo de tempo. “Desde os primeiros anos, a crítica de Munch foi que ele não terminou suas pinturas, eram esboços e começos”, diz Woll. “Isto era verdade, se os compararmos com pinturas no salão. Mas queria que parecessem inacabados. Ele queria que eles fossem crus e ásperos, e não lisos e brilhantes.,”Era emoção que ele queria descrever. “Não é a cadeira que deve ser pintada”, escreveu uma vez, ” mas o que uma pessoa sentiu ao vê-la.uma das primeiras memórias de Munch era de sua mãe, confinada com tuberculose, olhando vigorosamente de sua cadeira para os campos que se estendiam fora da janela de sua casa em Kristiania (atual Oslo). Ela morreu em 1868, deixando Edvard, que tinha 5 anos, suas três irmãs e irmão mais novo sob os cuidados de seu marido muito mais velho, Christian, um médico imbuído de uma religiosidade que muitas vezes escureceu em fanatismo sombrio., A tia de Edvard, Karen, veio viver com a família, mas o afeto mais profundo do menino residia com Sophie, sua irmã mais velha. Sua morte, nove anos depois, aos 15 anos de idade, também de tuberculose, o lacerou para a vida. Moribunda pediu para ser levantada da cama e colocada em uma cadeira; Munch, que pintou muitas composições de sua doença e Últimos Dias, manteve essa cadeira até sua morte. (Hoje é propriedade do Museu Munch.a miséria de Edvard era sua própria saúde frágil. Enquanto Sue Prideaux narra em sua nova biografia, Edvard Munch: por trás do grito, ele tinha tuberculose e cuspia sangue quando criança., A preferência de seu pai pelo próximo mundo (uma característica alarmante em um médico) só amplificou o senso de iminência do Filho de morte. Um dos melhores auto-retratos de Munch, uma litografia de 1895, retrata sua cabeça e colarinho clerical se materializando a partir de um fundo preto; uma fina banda branca no topo da obra contém seu nome e o ano, e uma faixa correspondente abaixo apresenta um braço esquelético., “Eu herdei dois dos inimigos mais terríveis da humanidade—a herança do consumo e da insanidade—a doença e a loucura e a morte foram os anjos negros que estavam no meu berço”, escreveu ele em um diário privado não datado. Em uma saga interminável de aflição, uma das Irmãs de Edvard passou a maior parte de sua vida internada por doença mental, e seu irmão, que parecia atipicamente robusto para uma Munch, morreu repentinamente de pneumonia aos 30 anos. Só a sua irmã mais nova, Inger, que como ele nunca se casou, sobreviveu até à velhice.o talento precoce de Edvard foi reconhecido precocemente., Quão rapidamente sua arte (e sua personalidade) evoluiu pode ser vista a partir de dois auto-retratos. Um pequeno perfil de três quartos em papelão, pintado em 1881-82, quando ele tinha apenas 18 anos, retrata a boa aparência clássica do artista—nariz recto, boca de cúpido-proa, queixo forte—com uma escova fina e correção acadêmica. Cinco anos depois, o trabalho de Munch com uma faca de paleta num auto-retrato maior é impressionista e espalhafatoso., Seu cabelo e garganta se desfocam no fundo; seu olhar baixado e queixo destrustado lhe emprestam um ar insolente; e as jantes vermelhas de seus olhos sugerem noites sem dormir, o início de uma longa descida ao alcoolismo.para um retrato completo em 1889 de Hans Jaeger, o niilista no coração da multidão Boêmia na Kristiania com quem Munch cada vez mais confraternizava, o artista posou O escritor notório em um sofá com um tumbler de vidro na mesa na frente dele e um chapéu baixo em sua testa., A cabeça de Jaeger é aslant e seus olhos jutam para a frente em uma pose arrogante e dissoluta. Junto com a astúcia psicológica, o retrato convincente demonstra a consciência de Munch sobre os recentes desenvolvimentos na pintura. A pincelada azul-e-cinza do casaco de Jaeger sugere Impressionismo, especialmente o trabalho de Cézanne, que o norueguês pode ter visto em viagens a Paris em 1885 e 1889.para Christian Munch, que estava lutando para pagar as despesas da educação de seu filho, a associação de Edvard com companheiros duvidosos era uma fonte de angústia. O Edvard também estava rasgado., Embora faltasse a fé de seu pai em Deus, ele mesmo assim herdou seu senso de culpa. Refletindo mais tarde sobre seus amigos boêmios e seu abraço do amor livre, ele escreveu: “Deus—e tudo foi derrubado—todos furiosos em uma dança selvagem e louca da vida….Mas não podia libertar-me do meu medo da vida e dos pensamentos da vida eterna.sua primeira experiência sexual aparentemente ocorreu no verão de 1885, quando ele tinha 21 anos, com Millie Thaulow, a esposa de um primo distante. Encontravam-se na floresta perto da encantadora aldeia piscatória de Aasgaardstrand., Ele ficou furioso e emocionado enquanto o relacionamento durou, Atormentado e desolado quando Millie terminou após dois anos. O tema de um homem perdido e uma mulher dominadora fascinou Munch. Em uma de suas imagens mais célebres, Vampira (1893-94), uma mulher ruiva pode ser vista afundando sua boca no pescoço de um amante desconsolado, suas tranças fluindo sobre ele como tendas venenosas., Em outra grande pintura, suas cinzas de 1894, uma mulher reminiscente de Millie confronta o espectador, seu vestido branco desabotoado para revelar um deslizamento vermelho, suas mãos levantadas para os lados de sua cabeça, enquanto um amante perturbado segura sua cabeça em desespero.Munch estava em Paris em novembro de 1889, quando um amigo lhe entregou uma carta. Verificando que continha más notícias, ele se despediu do amigo e foi sozinho para um restaurante próximo, deserta, exceto por um par de garçons, onde ele leu que seu pai tinha morrido de um AVC., Embora a relação deles tivesse sido complicada—” ele não entendia minhas necessidades; eu não entendia as coisas que ele valorizava mais”, Munch observou uma vez-a morte o desequilibrou. Agora, chefe de uma família financeiramente pressionada, ele estava sóbrio pela responsabilidade e preso pelo remorso de não ter estado com seu pai quando ele morreu. Por causa desta ausência, ele não podia liberar seus sentimentos de dor em uma pintura da cena da morte, como ele tinha feito quando sua mãe e sua irmã Sophie morreram., Night in Saint Cloud (painted in 1890), a moody, blue interior of his suburban Paris apartment, capta his state of mind. Nele, uma figura sombria de chapéu – seu companheiro de quarto, o poeta dinamarquês Emanuel Goldstein-olha para fora de uma janela para as luzes brilhantes no Rio Sena. A luz da noite, fluindo através de uma janela mullioned, lança um padrão simbólico de uma cruz no chão, evocando o espírito de seu pai devoto.após a morte de seu pai, Munch embarcou na fase mais produtiva e mais conturbada de sua vida., Dividindo seu tempo entre Paris e Berlim, ele realizou uma série de pinturas que ele chamou de friso da vida. Ele produziu 22 trabalhos como parte da série para uma exposição de 1902 do friso em Berlim. Sugestivo de seu estado de espírito, as pinturas tinham títulos como melancolia, ciúme, desespero, ansiedade, Morte na enfermaria e o grito, que ele pintou em 1893. Seu estilo varia dramaticamente durante este período, dependendo da emoção que ele estava tentando se comunicar em uma determinada pintura., Ele virou-se para um sulfo Art Nouveau para Madonna (1894-95) e um simbolismo estilizado e psicologicamente carregado para o sonho da noite de Verão (1893). Em sua soberba Auto-retrato com Cigarro de 1895, o pintado, enquanto ele estava febrilmente envolvidos com O Friso da Vida, ele empregou a cintilação pincelada de Whistler, raspagem e esfregando no paletó, para que seu corpo aparece como evanescente como a fumaça que as trilhas do cigarro, ele mantém aceso perto de seu coração., In Death in the Sickroom, a moving evocation of Sophie’s death painted in 1893, he adopted the bold graphic outlines of van Gogh, Gauguin and Toulouse-Lautrec. Nele, ele e suas irmãs aparecem em primeiro plano, enquanto sua tia e seu pai orando atendem a menina moribunda, que é obscurecida por sua cadeira. Através do vasto espaço que divide os irmãos vivos (retratados como adultos) de sua irmã moribunda, o olho do espectador é atraído para a cama desocupada e medicamentos inúteis na retaguarda.
o friso ganhou ampla aprovação em Berlim, e Munch foi de repente colecionável., “A partir da combinação do puro prazer nórdico em cor, a influência de Manet, e uma propensão para reverie, algo muito especial molas”, um crítico escreveu. “É como um conto de fadas”, Munch alegrou-se com uma carta à sua tia. Mas apesar de seu prazer em seu sucesso atrasado, Munch permaneceu longe de ser feliz. Algumas das pinturas mais fortes da série foram aquelas que ele tinha completado mais recentemente, narrando um caso de amor que induziu a miséria que ele muitas vezes disse que ele precisava para sua arte.em 1898, em uma visita a Kristiania, Munch conheceu a mulher que se tornaria sua musa cruel., Tulla Larsen era a filha rica do principal comerciante de vinho de Kristiania, e aos 29 anos, ela ainda era solteira. Os biógrafos de Munch confiaram em seus relatos às vezes conflitantes e longe de desinteressados para reconstruir a relação atormentada. Ele primeiro colocou os olhos em Larsen quando ela chegou em seu estúdio na companhia de um artista com quem ele compartilhou o espaço. Desde o início, ela o perseguiu agressivamente. Na sua narração, o seu caso começou quase contra a sua vontade. Ele fugiu-para Berlim, em seguida, em uma corrida de um ano por toda a Europa. Ela seguiu-me. Recusava-se a vê-la e depois sucumbia., Ele memorizou seu relacionamento na dança da vida de 1899-1900, ambientado na noite do verão em Aasgaardstrand, a aldeia costeira onde ele uma vez encontrou Millie Thaulow e onde, em 1897, ele tinha comprado uma pequena cabana. No centro da imagem, um personagem masculino de olhos vazios, representando o próprio Munch, dança com uma mulher em um vestido vermelho (provavelmente Millie). Seus olhos não se encontram, e seus corpos rígidos mantêm uma distância infeliz., Para a esquerda, Larsen pode ser visto, de cabelo dourado e sorrindo benevolentemente, em um vestido branco; à direita, ela aparece novamente, desta vez carrancuda em um vestido preto, seu rosto tão escuro quanto o vestuário que ela usa, seus olhos para baixo em desapontamento sombrio. Em um relvado verde, outros casais dançam com luxúria no que Munch tinha chamado de “dança louca da vida”—uma dança que ele não ousou se juntar.Larsen desejava que Munch casasse com ela. Sua casa de campo Aasgaardstrand, que agora é um museu da casa, contém o antigo baú de casamento, feito para o enxoval de uma noiva, que ela lhe deu., Embora ele tenha escrito que o toque de seus “lábios estreitos e pegajosos” parecia o beijo de um cadáver, ele cedeu a suas imprecisões e até chegou a fazer uma proposta relutante. “Na minha miséria, acho que pelo menos ficarias mais feliz se fôssemos casados”, escreveu-lhe ele. Então, quando ela veio para a Alemanha para apresentá-lo com os documentos necessários, ele os perdeu. Ela insistiu que eles viajassem para Nice, já que a França não precisava desses documentos. Uma vez lá, ele escapou através da fronteira para a Itália e, eventualmente, para Berlim em 1902 para encenar o friso da exposição da vida.,nesse verão, Munch regressou à sua casa de campo em Aasgaardstrand. Ele procurou a paz, mas bebendo pesadamente e brigando publicamente, ele não conseguiu encontrá-la. Depois de mais de um ano de ausência, Larsen reapareceu. Ele ignorou suas propostas, até que seus amigos o informaram que ela estava em uma depressão suicida e tomando grandes doses de morfina. Ele relutantemente concordou em vê-la. Houve uma briga, e de alguma forma—a história completa é desconhecida—ele se matou com um revólver, perdendo parte de um dedo em sua mão esquerda e também infligindo a si mesmo uma lesão psicológica menos óbvia., Propenso a sentimentos exagerados de perseguição—em sua pintura Gólgota de 1900, por exemplo, ele retratou—se pregado a uma Munch cross-ampliou o fiasco em sua mente, até que assumiu uma escala épica. Descrevendo-se na terceira pessoa, ele escreveu: “Todo mundo olhou para ele, em sua mão deformada. Ele notou que aqueles com quem compartilhava uma mesa estavam revoltados com a visão de sua monstruosidade. Sua raiva intensificou-se quando Larsen, pouco tempo depois, se casou com outro artista. “Eu sacrifiquei-me desnecessariamente por uma prostituta”, escreveu ele.,
nos anos seguintes, sua bebida, que havia sido excessiva, cresceu incontrolável. “As raizes estavam vindo mais e mais vezes agora”, ele escreveu em seu diário. “A bebida era para acalmá-los, especialmente de manhã, mas à medida que o dia passava, eu ficava nervoso, irritado.”Angustiado como ele estava, ele ainda conseguiu produzir alguns de seus melhores trabalhos, incluindo um quadro (executado em várias versões) em que ele se usa como modelo para o morto revolucionário francês Marat, e Larsen é escalado como assassino de Marat, a cruel, implacável Charlotte Corday., Seu auto-retrato de 1906 com uma garrafa de vinho, no qual ele pinta sozinho em uma mesa de restaurante, com apenas um prato, uma garrafa de Vinho e um copo, testemunha uma intensa inquietação. Dois garçons estão atrás dele no restaurante quase vazio, evocando o cenário em que ele havia lido sobre a morte de seu pai.no outono de 1908, Munch colapsou em Copenhaga. Ouvindo vozes alucinatórias e sofrendo paralisia em seu lado esquerdo, ele foi persuadido por seu antigo companheiro de quarto do apartamento Saint-Cloud, Emanuel Goldstein, a se internar em um sanatório privado nos arredores da cidade., Lá ele reduziu a bebida e recuperou alguma estabilidade mental. Em maio, ele partiu, vigoroso e ansioso para voltar para o seu cavalete. Quase metade de sua vida permaneceu. No entanto, a maioria dos historiadores de arte concordaria que a grande preponderância de seu melhor trabalho foi criada antes de 1909. Seus últimos anos seriam menos tumultuosos, mas a um preço de isolamento pessoal. Refletindo esta visão, MoMA dedica menos de um quinto do show à sua saída pós-1909. “Em seus últimos anos”, explica o curador McShine, ” não há tantas pinturas pungentes como havia quando ele estava envolvido com a vida.,em 1909, Munch retornou à Noruega, onde começou a trabalhar em uma importante série de murais para a Assembleia da Universidade de Oslo. Ainda no lugar, as decorações de Áula, como os murais são conhecidos, sinalizaram a nova determinação de Munch de olhar para o lado positivo, neste caso muito literalmente, com uma peça central de um sol deslumbrante. Na recém-independente Noruega, Munch foi aclamado como o artista nacional, tanto quanto o então falecido Henrik Ibsen e Edvard Grieg serviram, respectivamente, como escritor nacional e compositor. Juntamente com sua nova fama veio a riqueza, mas não a serenidade., Manter a sua distância a partir de um, alternadamente, adorando e desprezo público, Munch retirou-se para Ekely, 11 hectares de propriedade nos arredores de Oslo, que ele comprou em 1916 por um montante equivalente ao preço de dois ou três de suas pinturas. Ele às vezes defendia seu isolamento como necessário para produzir seu trabalho. Em outras ocasiões, ele insinuou que era necessário para manter sua sanidade. “A segunda metade da minha vida tem sido uma batalha apenas para me manter em pé”, escreveu ele no início dos anos 1920.,em Ekely, Munch assumiu a pintura paisagística, retratando o campo e a vida na fazenda ao seu redor, no início com cor alegre, mais tarde em tons sombrios. Ele também voltou a imagens favoritas, produzindo novas rendições de alguns dos friso de pinturas da vida. Em seus últimos anos, Munch apoiou financeiramente seus familiares sobreviventes e se comunicou com eles por correio, mas optou por não visitá-los. Ele passou grande parte de seu tempo na solidão, documentando as aflições e indignidades de seus anos de avanço., Quando ele foi atingido por uma gripe quase fatal na grande pandemia de 1918-19, ele gravou sua figura de barba em uma série de auto-retratos assim que ele poderia pegar um pincel. Em 1930, depois que um vaso sanguíneo rebentou no olho direito e prejudicou sua visão, ele pintou, em trabalhos como auto-retrato durante a doença ocular, o coágulo como lhe parecia—uma grande esfera roxa irregular. Às vezes ele dava à esfera uma cabeça e bico afiado, como uma ave de rapina demoníaca. Eventualmente, ele voou; sua visão voltou ao normal.,em auto-retrato entre o relógio e a cama, que data de 1940-42, não muito antes da morte de Munch, podemos ver o que aconteceu ao homem que, como ele escreveu, recuou de “A dança da vida”.”Parecendo rígido e fisicamente desajeitado, ele fica preso entre um relógio de avô e uma cama, como se se desculpando por ocupar tanto espaço. Em um muro, atrás dele, seus” filhos ” estão dispostos, um acima do outro. Como um pai dedicado, sacrificou tudo por eles.
