Slash might have said it best: “There’s no lying with the acoustic guitar. Há algo muito puro, e muito humilhante nisso.”
uma declaração profunda vinda de um dos guitarristas elétricos mais célebres do rock ‘n’ roll.,
Os Beatles’ 10 melhores músicas acústicas
Mas deixa de fora toda a sujeira do multi-camadas de overdubs, rack de efeitos e inúmeras sinfonias de faixas, e você separar os dodgers se escondendo atrás de estúdio da feitiçaria e os artistas que conhecem uma grande canção só precisa de seis cordas e uma melodia.Aqui estão 25 dos melhores roqueiros acústicos do hard-rock., Alguns são compotas acústicas puras, outros só começam assim antes de subirem para grandes Opus. Mas o que torna estas canções icónicas é a sua simplicidade elementar. Em outras palavras, tudo o que você precisa para trazê-los à vida é uma guitarra acústica e um pouco de sentimento.e pelo aspecto destes roqueiros, algumas jóias vistosas ajudam. Note que estas músicas não são apresentadas em nenhuma ordem particular.,
Led Zeppelin – Stairway To Heaven (1971)
Led Zeppelin III foi em grande parte um caso unplugged, mas Stairway to Heaven, from the band’s follow-up, wins the prize for acoustic guitar excellence. Arpeggios fez a música “Zeppelin’ s-and-rock’s-definitive acoustic moment”.ao longo dos anos, Stairway to Heaven tem dominado inúmeras listas de “maiores canções de rock de sempre”, graças à sua mistura de misticismo lírico, gênio de composição e produção e virtuosidade instrumental.,mas o seu momento mais celebrado continua a ser a introdução desacompanhada de Page: quer seja ouvida num rádio ou tocada por um miúdo com borbulhas numa loja de guitarras, tudo o que é preciso são as primeiras notas de guitarra acústica e você pode nomear instantaneamente essa melodia.
Boston – More Than A Feeling (1976)
Tom Scholz’s soaring leads (recorded with an early version of his Rockman amp unit) and crunchy, multi-tracked electric guitar rhythms have more than a little to do with More Than a Feeling becoming one of classic rock’s most enduring anthems., Mas é a introdução acústica da canção que põe os fãs no clima.trabalhando como uma banda de um só homem em sua cave, Scholz, um dos primeiros DIY dudes da música, tocou todas as partes de guitarra no Feeling. Para a introdução arpeggiated e versos, ele usou uma Yamaha 12-string; os coros mais estrumados chamou para uma guilda D-40.a bit of trivia: Noting the similarities between More Than a Feeling and Smells Like Teen Spirit, Kurt Cobain teased fans at the nirvana’s 1992 Reading Festival performance with a few bars of the Boston classic.,
Kansas – Poeira No Vento (1977)
Quando Vicci Livgren ouviu seu marido, Kansas guitarrista Kerry, praticando exercícios de dedos em seu acústico, um dia, ela disse que ouviu uma música lá e sugeriu que ele adicionar algumas letras. Ele ouviu, e o resultado foi poeira no vento.uma partida da característica Prog-rock bombast do Kansas,” Dust in The Wind ” foi uma meditação gritante sobre o significado da vida., Enquanto muitos assumem que a faixa apresenta um acústico de 12 cordas, o rico som unplugged é na verdade o resultado de múltiplas seis cordas (algumas em Nashville tuning), tocadas por Livgren e co-guitarrista Rich Williams.
A canção tornou-se o único single Top-10 do Kansas, atingindo o número seis em 1978. Nos anos seguintes, tornou-se uma espécie de pedra de toque cultural, aparecendo em todos os lugares de programas de TV como os Simpsons e Family Guy para filmes como Bill a excelente aventura de Ted e a velha escola.,
The Rolling Stones – Street Fighting Man (1968)
pode-se supor que este grito rebelde, lançado durante o tumultuoso verão de 1968, iria se enraivecer com o som de guitarras elétricas. Não é assim: com exceção de um baixo elétrico, tocado por Keith Richards, a faixa é 100% acústica.preparando uma demo para a canção, Richards gravou duas acústicas e gravou-as em um barato Gravador de cassetes Phillips., O guitarrista estava tão enamorado da distorção resultante (a máquina não tinha limitadores, fazendo o sinal sobrecarregar) que decidiu ir au naturale e abandonar a eletricidade.
The Who – Pinball Wizard (1969)
By 1969, Pete Townshend was known as much for smashing guitars as for playing them. Mas no que diz respeito ao Tommy inovador, ele demonstrou umas habilidades espantosas de seis cordas.
E com um acústico em suas mãos (confira que é um menino para algum trabalho desafiador de blues-meets-flamenco), ele era imparável., Embora a eletrics reforce os versos e refrões da peça central do álbum, Pinball Wizard, um Gibson J-200 acústico de 1968 é o instrumento dominante em toda parte.os acordes de Townshend furiosamente estrumados de barre (que ele considerou “mock baroque”), ouvidos na seção intro e breakdown, fornecem o tipo de poder e majestade adequado a uma ópera de rock genuína.,
Bad Company feel Like Makin’ Love (1975)
Como a primeira banda assinou com a Led Zeppelin com a Swan Song (do rótulo, Bad Company, liderado pelo ex-Livre cantor Paul Rodgers e o ex-Mott the Hoople guitarrista Mick Ralphs, seguido de seus patrões ” de chumbo e especializada na suado, arrogante blues rock.tomando outra lição dos Zepmen, Ralphs justaposed chiming acoustics com cordas de potência explosiva neste top 10 smash, para efeito maravilhoso.,
A acústica brilhante, jangly emprestam uma vibração descontraída, para o interior do país para os versos, enquanto as guitarras elétricas no refrão gritam com o rock britânico grande, ousado. Presumivelmente, algumas pessoas sentiram vontade de fazer o pior depois de ouvir este corte.
Johnny Thunders – So Alone (1978)
como um membro do proto-punk glam-rockers The New York Dolls, e mais tarde com sua própria banda, The Heartbreakers, Johnny Thunders sabia como desatar rough-and ragged three-chord rock. E com um Les Paul júnior bem abaixo da cintura, tinha escrito “fixe” em cima dele.,Então veio como uma surpresa quando Thunders, em seu álbum solo de estreia, lançou esta balada acústica poética. Temperando o seu estilo patenteado de bater, o cantor-compositor estabelece o seu estilo de vida drogado com uma franqueza inabalável, praticamente acariciando as suas cordas de guitarra no processo.melancólica e arrependida, a canção veio a servir como uma elegia para os trovões perturbados, que morreram de uma aparente overdose de drogas em 1991. (O título da canção, deve ser notado, foi retirado de uma linha falada em um episódio da sitcom de TV dos anos 50 The Honeymooners. Punk rock, de facto.,)
Rush – Closer To the Heart (1977)
By 1977, Rush tinha firmemente estabelecido-se como bons fornecedores de gloriosos 20 minutos Sci-fi opuses que poderiam preencher lados inteiros do álbum. Mas neste, seu quinto lançamento em estúdio, o trio Canadense prog demonstrou sua capacidade de ser hooky, conciso e, com mais perto do Coração, radio-friendly.talvez o aspecto mais surpreendente da introdução de violão de 12 cordas suave da canção é que ela foi escrita pelo baixista Geddy Lee, ao invés do guitarrista Alex Lifeson., A mesma figura é mais tarde repetida após um solo de guitarra elétrica particularmente rasgando-só que desta vez o acústico de 12 cordas é rapidamente dobrado por um elétrico de seis cordas.quando se trata de Rush, é claro, as contribuições do baterista extraordinário Neil Peart nunca podem ser ignoradas. Aqui, ele adiciona muitos sinos e assobios por todo o lado. Certo… na verdade, são espanta-espíritos.
Yes – Roundabout (1971)
apanhar uma harmónica de Martín 00-8 octave na décima segunda traste (essencialmente composta por um acorde Em) e voilá!, – vais ter uma sala cheia de tipos da guitarra sentados a reparar. E com uma boa razão – este simples movimento é a linha de abertura de Steve Howe para a Rotunda, o sucesso de 1971 do Yes.Faça com que passe a introdução harmônica-pesada de Howe, não acompanhada, e você pode ter uma chance de dominar esta intrincada obra-prima prog-rock, na qual a acústica e a elétrica, tocada no esplendor clássico, jazzy e rocking, tecem, saem e ‘roundabout’. Quanto à letra, isto é prog-estás por tua conta.,
Randy Rhoads – Dee (1980)
Com sua inventiva, neoclássico rotação sobre Eddie Van Halen já se estabeleceu saco de truques, Randy Rhoads tornou-se a nova guitarra heavy metal rei depois que os fãs ouviram falar do seu trabalho em Ozzy Osbourne do solo de 1980, estreia, a Blizzard of Ozz. Mas enquanto os rockers electrificados como o Crazy Train e eu não sei wowed the metal masses, era a peça clássica Solo Dee que era a verdadeira obra-prima de Rhoads.,Rhoads cresceu em uma família musical – sua mãe, Delores, dirige uma escola de música em North Hollywood, Califórnia-então foi apenas apropriado que “Dee”, todos os 49 segundos, pagasse tributo à mulher que inspirou e alimentou seus sonhos. Emparelhado num acústico forte de nylon, a peça é por voltas lúdicas, melancólicas, desoladoras e esperançosas.tragicamente, Rhoads foi morto em um acidente de avião em 1982, aos 25 anos de idade. Cinco anos depois, Ozzy Osbourne incluiu uma versão extendida do estúdio Outtake de Dee em seu tributo ao álbum, lembrando-nos de todos os talentos imensos e em grande parte inexplorados de Rhoads.,Van Halen-isto pode ser mágico? (1980)
Eddie Van Halen deu fetichistas de shred acústico muito para mastigar em 1979 com o Spanish Fly, um Flamenco-rápido de Van Halen II. mas guitarristas de todas as faixas encontraram muito para gostar no bluesy-and boozy, ligeiramente off-kilter poderia isso ser Magia?
A faixa, que marca o primeiro momento de gargalo gravado pelo guitarrista, encontra o slide acústico caprichoso de Eddie tocando habilmente sombreando os vocais de David Lee Roth nos versos.,
A ideia de usar um slide veio do produtor Ted Templeman, e enquanto Eddie estava inicialmente desconfiado de experimentá-lo, ele praticou por alguns dias e, no estilo típico de VH, tirou a parte com aprumo.outra primeira: poderá isto ser Magia? representa a estreia de um cantor externo em um álbum de Van Halen. Templeman sugeriu um som diferente para um dos coros e trouxe a cantora country Nicolette Larson, que estava trabalhando em um estúdio vizinho, para dar suporte vocal. Ouça atentamente seguindo o solo de Eddie para ouvir Larson e Diamond Dave fazer sweet harmonised magic.,
Bon Jovi – Escorregadio Quando Molhado (1986)
A história é lenda: Jon Bon Jovi e Richie Sambora passeio em 1989, a MTV Video Music Awards, fazer o acústico-duo coisa sobre Wanted Dead or Alive, e antes que você possa dizer “dreadnought”, a série Unplugged é nascido.
A canção também não é desleixada. Nele, Sambora estabelece um trabalho de dedo acústico extravagante, escolhendo arpeggios descendentes e curvas azuladas como JBJ rola sua fascinação com o Velho Oeste em uma história sobre o cansaço da vida na estrada.,o resultado foi um sucesso de sucesso, garantindo que Bon Jovi veria um milhão de caras e as balançaria por muitos anos.
Metallica – Fade to Black (1984)
gravado de volta nos primeiros dias de thrash, Fade to Black é justamente reconhecido como a primeira ‘balada de poder’do gênero. Uma ruminação de sete minutos sobre desespero e suicídio, a canção é construída em torno do cantor e guitarrista James Hetfield, triste, arpeggiated Acoustic picking, sobre o qual Kirk Hammett adiciona algumas belas e crescentes pistas elétricas.,é claro que, sendo os Metallica, as coisas permanecem doces e suaves por muito tempo. A meio caminho, a canção constrói em intensidade, mudando ritmos e adicionando uma abundância de seis cordas fortemente distorcidas, culminando em um solo de Hammett estendido e explosivo.enquanto os Hardcore metalheads na época acusavam o Metallica de se vender gravando uma balada, Fade to Black continua sendo uma das canções mais conhecidas e amadas do grupo, e é um grampo de concerto até hoje. Além disso, como o Hetfield disse, “limitares-te a agradar ao teu público é uma treta.,”
Poison – cada rosa tem o seu espinho (1988)
Quando Se pensa em baladas de energia dos anos 80, uma canção fica de cabeça, cabelo e ombros acima do resto: cada rosa tem o seu espinho.escrito pelo cantor Bret Michaels depois que ele descobriu que sua namorada o estava traindo, o hit de 1988 provou que os caras do glam metal também têm sentimentos.
enquanto a versão gravada apresenta um solo de guitarra tipicamente histriônico de C. C. DeVille do Poison, a diretividade lírica de Michaels, a construção de uma música sólida e um forte toque acústico governam o dia.,Michaels disse que” as pessoas relacionadas com a canção Porque eu relacionada com a canção”, e de fato, cada rosa tem seu espinho, que atingiu o número um em 1988, desde então se tornou uma melodia definidora da época. Quanto à namorada, ela agora é uma investidora de fundos.
Guns N’ Roses – Patience (1988)
Embora GN R Mentiras apresenta uma série de faixas acústicas, incluindo o país-ish, sombriamente cômico Utilizado para a Ama (“mas eu tive que matá-la” …, ), foi a paciência lovelorn, uma balada glacial, que marcou a virada mais radical para a esquerda para o grupo normalmente de hard-rocking, e também deu-lhes um de seus maiores sucessos.a canção foi gravada em um único take, com os guitarristas Slash e Izzy Stradlin e o baixista Duff McKagan todos em acústica. Axl Rose, por sua vez, contribui com bons assobios na introdução.os dois minutos finais são o momento Kumbaya de Gn’R, com toda a banda a cozinhar o título da canção em doce harmonia. Depois TODOS discutiram, mas isso é outra história.,
Jane’s Addiction – Jane Says (1988)
tem cinco minutos de duração, apresenta apenas dois acordes (G E A) e, com a sua ornamentação de tambor de aço, soa como algo que Jimmy Buffett poderia ter conjurado após uma orgia de três dias de pão-de-ló e margaritas. No entanto, Jane diz que continua sendo uma das canções mais duradouras da banda de punk-metal de L. A.
talvez sua durabilidade possa ser atribuída ao fato de que não se encaixa perfeitamente no cânone do grupo., Em vez de metal psicadélico frenético e frenético, despachado com força tectónica, temos uma maminha acústica, feita à medida para fogueiras e churrascos de quintal. Vindo de Perry Farrell, Dave Navarro e Co. é bastante chocante.
Extreme – More Than Words (1990)
No final dos anos 80, Extrema esculpido um nicho como o funkiest hard rockers no bloco, com um som que, graças ao guitar hero Nuno Bettencourt, assentado que a linha entre o Van Halen destruir e Aerosmith suporte., E foi uma espécie de pontapé na cabeça quando Bettencourt e o cantor Gary Cherone soltaram a homenagem dos Everly Brothers mais do que palavras.além de alguns toques de dedo, o único acompanhamento para Cherone e vozes harmonizadoras de Bettencourt foi o dedo de Bettencourt picando em um acústico Washburn e o percussivo bater de sua mão contra o topo da guitarra.18.O resultado foi um sucesso de sucesso: mais do que palavras atingiram o número um nas paradas da Billboard em 1991, e levou uma geração de pretensos heróis a pousar o elétrico, pegar um acústico, e bater o inferno para fora dele.,
The Black Crowes – She Talks To Angels (1990)
Jealous Again, Twice as Hard and Hard to Handle put Atlanta’s Black Crowes on the map as a raucous, genuine-article blues-rock ensemble. Mas foi um número acústico sobre a devastação do vício em heroína que colocou a banda no topo-e deu-lhe uma canção número um.
para a gravação, o guitarrista Rich Robinson (que escreveu a música para a canção quando ele tinha apenas 15 anos) tocou um Martin D-28 em afinação aberta D., Embora ele tenha capotado a segunda traste, efetivamente dando-lhe uma afinação e aberta, há uma certa sensação e textura para o seu som que se encaixa a natureza chave da faixa. Adicione ao irmão Chris Robinson a voz cheia de alma e desejo, e você tem algo verdadeiramente celestial.
Queensrÿche – Silent Lucidity (1990)
Let’s say you’re a procgy metal band (from Seattle, of all places), best known for releasing a kitchen-sink concept album (1988’s Operation: Mindcrime) about government overthrow… ou algo assim. O que fazes para um bis?, Se és o Queensrÿche, fazes uma canção acústica sobre a consciência dos sonhos … ou algo assim.o Silent Lucidity apresenta o compositor e guitarrista Chris DeGarmo na guitarra espanhola de seis cordas na introdução e versos, tocando um padrão doce arpeggiated que maravilhosamente mistura notas fretadas e cordas abertas.
A canção deriva firmemente ao longo, adicionando eletrics, voice-overs e orquestração tumefacção até praticamente rebentar nas costuras com som. E, no entanto, termina como começou, com o acústico solitário de DeGarmo. E depois, silêncio.,”Alice In Chains – No Excuses” (1994) com o seu EP acústico de 1992, “Sap”, “Alice in Chains”, notaram que tinham mais a oferecer do que apenas distorcer o grunge. Melódico e cheio de beleza sombria, Sap estabeleceu o palco para Jar of Flies, que firmemente estabeleceu a AIC como uma faixa de profundidade incomum, se muito sombrio.
NENHUMA desculpa marcou algo de uma partida para a banda. Com o seu ritmo suave, descontraído e esperançoso (para Alice In Chains, pelo menos) letras sobre viver colinas e vales da vida, sem desculpas é praticamente toe-tappin’ e bom-tempo.,
mas a verdadeira revelação é o som acústico Largo do guitarrista Jerry Cantrell-como-o-Grand-Canyon – cheio, zumbido e zumbido por dias. Nada de desculpas para isso.
Green Day – Good Riddance (Time Da Sua Vida (1997)
Quando a gravação do que seria o álbum de versão desta balada acústica, Green Day, líder Billie Joe Armstrong flubbed a abertura G/D acorde – duas vezes – e depois da segunda vez deadpanned, “Foda-se.,”
felizmente, ele continuou, e, apesar da expressão expressiva, Good Riddance (Time of Your Life) desfrutou de enorme sucesso cruzado e permanece como o maior sucesso da banda até à data. O que não estava previsto.
na época, o Green Day era considerado pouco mais do que ranhoso, embora multi-platina, ruffians Bay Area, e uma balada acústica de guitarra e cordas não era o que a maioria das pessoas esperava ouvir deles.por essa razão, o baixista Mike Dirnt chamou a canção de “a coisa mais punk que eles poderiam ter feito”., O que só mostra que até os punks podem usar os seus corações nas mangas.
Nirvana – Lake Of Fire (1994)
pela sua aparição no Unplugged da MTV, o Nirvana absteve-se de tocar alguns dos seus maiores sucessos (no Smells Like Teen Spirit, para começar) em favor de material menos conhecido e covers de canções de artistas que conheciam e admiravam.um desses artistas foi o “meat Puppets” do Arizona, um favorito de Kurt Cobain., E assim, na noite de 18 de novembro de 1993, em um palco decorado com flores e velas pretas, Cobain convidou o Curt dos fantoches e Cris Kirkwood para, entre outras músicas, uma passagem suave de seu lago pantanoso de fogo.com Krist Novoselic, Dave Grohl e os Kirkwoods segurando o acompanhamento, Cobain colocou de lado sua guitarra para aprimorar os vocais, uivando seu caminho através das letras impressionistas.
a performance tornou-se um dos destaques do show, e até hoje a canção está tão associada com o Nirvana como está com os seus originadores.,
Foo Fighters – Everlong (acoustic) (2006)
a versão completa de Everlong, que apareceu no álbum de 1997 da Foo Fighters, the Colour and The Shape, foi uma raging slab of rock que parecia difícil de bater. Mas quando Dave Grohl apareceu no Programa de rádio de Howard Stern mais tarde naquele ano e realizou uma versão acústica improvisada, os ouvintes ficaram loucos, e bootlegs logo abundou. (David Letterman viria a chamar Everlong de sua “canção favorita”.,)
musicalmente, a composição é positivamente Townshend-esque, construída em torno de uma progressão simples e móvel em um ajuste drop-D (D-A-D-G-B-E). A versão de estúdio apresenta Dave Grohl bombeando loucamente na bateria (Taylor Hawkins ainda não tinha aderido à banda), mas é seu tenso, dirigindo a leitura acústica solo que realmente define pulsos se acelerando.,
Staind – Fora (de 2001)
Lamacento, para baixo afinado guitarras arrasar os refrões da gravação oficial, mas, originalmente, esta canção foi um all-acústico balada: Staind vocalista Aaron Lewis usado para executar uma semi-acabados de versão de Fora durante shows solo.uma noite em Biloxi, Mississippi, como Staind estava se preparando para abrir para Limp Bizkit na turnê Family Values de 1999, a cantora foi convidada a fazer um número com Fred Durst fornecendo vocais de apoio.,no palco, Lewis veio com a letra para completar a música que ele estava trabalhando há meses. As estações de rádio pegaram na versão acústica ao vivo e ajudaram a construir um buzz para fora meses antes da versão oficial ser lançada no Break the Cycle. A canção – e o sucesso do álbum-lançou mil baladas nu-metal power em seu rastro.
Nickelback – Fotografia (2005)
vendeu mais de 1,4 milhões de downloads digitais nos EUA,, alcançou o número dois na Billboard Hot 100 e foi eleita a quinta “canção mais irritante de todos os tempos” em uma enquete da Rolling Stone. Tal é o caso da Fotografia de Nickelback: ame-a ou odeie-a, a música recebe uma reação.como muitas baladas de energia, guitarras elétricas acendem o refrão da canção, mas a espinha dorsal da fotografia repousa no estrumamento de um machado desconectado. E se for uma fórmula que Chad Kroeger e Co. repetiram grande sucesso, assim como muitas bandas de rock moderno que se seguiram na esteira da banda.,
é provável que quando uma balada de poder com guitarras grandes e um coro ainda maior funciona o seu caminho até as paradas de hoje, há um pouco dessa magia de fotografia em algum lugar.
