Edvard Munch, que nunca se casó, llamó a sus pinturas sus hijos y odiaba ser separado de ellos. Viviendo solo en su finca fuera de Oslo durante los últimos 27 años de su vida, cada vez más venerado y cada vez más aislado, se rodeó de obras que databan del inicio de su larga carrera., A su muerte en 1944, a la edad de 80 años, las autoridades descubrieron—detrás de puertas cerradas en el segundo piso de su casa—una colección de 1.008 pinturas, 4.443 dibujos y 15.391 grabados, así como xilografías, aguafuertes, litografías, piedras litográficas, bloques xilográficos, placas de cobre y fotografías. Sin embargo, en una ironía final de su difícil vida, Munch es famoso hoy como el creador de una sola imagen, lo que ha oscurecido su logro general como pintor y grabador pionero e influyente.
El Grito de Munch es un icono del arte moderno, una Mona Lisa para nuestro tiempo., Mientras Leonardo Da Vinci evocaba un ideal renacentista de serenidad y autocontrol, Munch definió cómo vemos a nuestra propia edad atormentada por la ansiedad y la incertidumbre. Su pintura de una criatura sin sexo, retorcida, de cara fetal, con la boca y los ojos bien abiertos en un grito de horror, recreó una visión que lo había capturado mientras caminaba una noche en su juventud con dos amigos al atardecer. Como más tarde lo describió, el » aire se convirtió en sangre «y las» caras de mis camaradas se convirtieron en un estridente Amarillo-Blanco.»Vibrando en sus oídos escuchó un enorme grito interminable a través de la naturaleza., Hizo dos paintingseos, dos pasteles y numerosas impresiones de la imagen; las dos pinturas pertenecen a la Galería Nacional de Oslo y al Museo Munch, también en Oslo. Ambos han sido robados en los últimos años, y el Museo Munch sigue desaparecido. Los robos solo han añadido desgracia póstuma y notoriedad a una vida llena de ambos, y la atención adicional a la imagen robada ha distorsionado aún más la reputación del artista.,
con el objetivo de corregir el equilibrio, una gran retrospectiva de la obra de Munch, la primera que se celebra en un Museo Americano en casi 30 años, se inauguró el mes pasado en el Museum of Modern Art de Nueva York. «Todo el mundo lo sabe, pero no todo el mundo conoce a Munch», dice Kynaston McShine, el curador general del MoMA que organizó la exposición. «Todos tienen la idea de que conocen a Munch, pero realmente no».
El Munch que se materializa en este espectáculo es un innovador inquieto cuyas tragedias personales, enfermedades y fracasos alimentaron su trabajo creativo., «Mi miedo a la vida es necesario para mí, al igual que mi enfermedad», escribió una vez. «Sin ansiedad y enfermedad, soy un barco sin rudder….My los sufrimientos son parte de mi ser y de mi arte. Son indistinguibles de mí, y su destrucción destruiría mi arte.»Munch creía que un pintor no debe simplemente transcribir la realidad externa, sino que debe registrar el impacto que una escena recordada tuvo en su propia sensibilidad. Como se demostró en una reciente exposición de autorretratos en el Moderna Museet en Estocolmo y la Royal Academy of Arts en Londres, Gran parte del trabajo de Munch puede verse como autorretrato., Incluso para un artista, era excepcionalmente narcisista. «El trabajo de Munch es como una autobiografía visual», observa McShine.
aunque comenzó su carrera artística como estudiante del pintor noruego Christian Krohg, quien abogó por la representación realista de la vida contemporánea conocida como Naturalismo, Munch desarrolló un estilo psicológicamente cargado y expresivo para transmitir sensación emocional. De hecho, en el momento en que levantó su pincel hacia el caballete, ya no prestaba atención a su modelo. «No pinto lo que veo, sino lo que vi», explicó Una vez., Influenciado de joven por su exposición en París a la obra de Gauguin y van Gogh, quienes rechazaron las convenciones académicas del Salón Oficial, progresó hacia formas simplificadas y bloques de color intenso con el propósito declarado de transmitir sentimientos fuertes. A principios de 1890, en una carcajada, Munch abandonó la clase de un estimado profesor de pintura parisino que lo había criticado por retratar una pared de ladrillo rosada en los tonos verdes que se le aparecieron en una imagen posterior de la retina., En formas que antagonizaban a los críticos de arte contemporáneo, que lo acusaban de exhibir «un boceto descartado a medio frotar» y se burlaban de sus «manchas de color al azar», incorporaba en sus pinturas garabatos similares a grafitis, o diluía su pintura y la dejaba gotear libremente.
la simplicidad radical de su técnica de xilografía, en la que a menudo utiliza un solo color brillante y expone el grano de la madera en la impresión, todavía puede parecer sorprendentemente nueva., Para las xilografías, desarrolló su propio método, cortando la imagen a grandes rasgos y cortando las xilografías terminadas en secciones que entintó por separado. Su estilo de grabado, así como la composición audaz y la paleta de colores de sus pinturas, influirían profundamente en los expresionistas alemanes de principios del siglo XX, incluidos Ernst Ludwig Kirchner y August Macke. Característicamente, sin embargo, Munch evitó el papel de mentor. Prefería mantenerse aparte.,
«quería ser considerado como un artista contemporáneo, no como un viejo maestro», dice Gerd Woll, curador senior del Museo Munch. Abrazó el azar sin miedo. Los visitantes de su estudio se sorprendieron cuando vieron que había dejado sus pinturas fuera de las puertas en todo tipo de clima. «Desde los primeros años, la crítica de Munch fue que no terminaba sus pinturas, eran bocetos y comienzos», dice Woll. «Esto era cierto, si se comparan con las pinturas en el salón. Pero quería que parecieran inacabadas. Quería que fueran crudos y ásperos, y no lisos y brillantes.,»Era emoción lo que quería representar. «No es la silla lo que debe pintarse», escribió una vez, » sino lo que una persona ha sentido al verla.»
uno de los primeros recuerdos de Munch fue de su madre, confinada con tuberculosis, mirando con nostalgia desde su silla a los campos que se extendían fuera de la ventana de su casa en Kristiania (ahora Oslo). Murió en 1868, dejando a Edvard, que tenía 5 años, sus tres hermanas y hermano menor al cuidado de su esposo, Christian, un médico imbuido de una religiosidad que a menudo se oscurecía en un fanatismo sombrío., La tía de Edvard, Karen, vino a vivir con la familia, pero el afecto más profundo del niño residía con Sophie, su hermana mayor. Su muerte nueve años más tarde a los 15 años, también de tuberculosis, lo laceró de por vida. Muriéndose, pidió que la levantaran de la cama y la colocaran en una silla; Munch, que pintó muchas composiciones de su enfermedad y sus últimos días, mantuvo esa silla hasta su muerte. (Hoy es propiedad del Museo Munch.)
agravando la miseria de Edvard era su propia salud frágil. Como relata Sue Prideaux en su nueva biografía, Edvard Munch: Behind The Scream, tuvo tuberculosis y escupió sangre cuando era niño., La preferencia expresada por su padre por el otro mundo (un rasgo alarmante en un médico) solo amplificó el sentido del Hijo de la inminencia de la muerte. Uno de los mejores autorretratos de Munch, una litografía de 1895, representa su cabeza y cuello de aspecto clerical materializándose sobre un fondo negro; una delgada banda blanca en la parte superior de la obra contiene su nombre y el año, y una tira correspondiente debajo presenta un brazo esquelético., «Heredé dos de los enemigos más terribles de la humanidad-la herencia del consumo y la locura—la enfermedad y la locura y la muerte eran los ángeles negros que estaban en mi cuna», escribió en un diario privado sin fecha. En una saga interminable de aflicciones, una de las hermanas de Edvard pasó la mayor parte de su vida internada por enfermedad mental, y su hermano, que había parecido atípicamente robusto para un bocado, murió repentinamente de neumonía a los 30 años. Solo su hermana menor, Inger, que como él nunca se casó, sobrevivió hasta la vejez.
el talento precoz de Edvard fue reconocido temprano., Lo rápido que su arte (y su personalidad) evolucionó se puede ver en dos autorretratos. Un pequeño perfil de tres cuartas partes sobre cartón, pintado en 1881-82 cuando solo tenía 18 años, representa la buena apariencia clásica del artista-nariz recta, boca de Cupido-arco, barbilla fuerte—con un pincel fino y corrección académica. Cinco años más tarde, el trabajo de Munch en un autorretrato más grande es impresionista y manchado., Su cabello y garganta se desdibujan en el fondo; su mirada baja y su barbilla le dan un aire insolente; y los bordes rojos de sus ojos sugieren noches borrachas, sin dormir, el comienzo de un largo descenso al alcoholismo.
para un retrato de cuerpo entero en 1889 de Hans Jaeger, el nihilista en el corazón de la multitud bohemia en Kristiania con quien Munch cada vez más fraternizó, el artista posó al notorio escritor encorvado en un sofá con un vaso de vidrio en la mesa frente a él y un sombrero bajo en la frente., La cabeza de Jaeger es aslant y sus ojos sobresalen hacia adelante en una pose arrogante y disoluta. Junto con la astucia psicológica, el retrato convincente demuestra la conciencia de Munch de los desarrollos recientes en la pintura. La pincelada azul y gris del abrigo de Jaeger sugiere Impresionismo, especialmente la obra de Cézanne, que el noruego pudo haber visto en viajes a París en 1885 y 1889.
para Christian Munch, que estaba luchando para pagar los gastos de la educación de su hijo, la Asociación de Edvard con compañeros DUDOSOS fue una fuente de angustia. Edvard también estaba destrozado., Aunque carecía de la fe de su padre en Dios, había heredado su sentido de culpa. Reflexionando más tarde sobre sus amigos bohemios y su abrazo de amor libre, escribió: «Dios-y todo fue derrocado – todos furiosos en una danza salvaje y trastornada de la vida….Pero no pude liberarme de mi temor a la vida y de mis pensamientos de vida eterna.»
Su primera experiencia sexual aparentemente tuvo lugar en el verano de 1885, cuando tenía 21 años, con Millie Thaulow, la esposa de un primo lejano. Se reunían en el bosque cerca del encantador pueblo de pescadores de Aasgaardstrand., Estaba enloquecido y emocionado mientras la relación duraba y atormentado y desolado cuando Millie terminó después de dos años. El tema de un hombre abandonado y una mujer dominante fascinó a Munch. En una de sus imágenes más célebres, Vampire (1893-94), se puede ver a una mujer pelirroja hundiendo su boca en el cuello de un amante desconsolado, sus trenzas fluyendo sobre él como zarcillos venenosos., En otra pintura importante, sus cenizas de 1894, una mujer que recuerda a Millie se enfrenta al espectador, su vestido blanco desabrochado para revelar un resbalón Rojo, sus manos levantadas a los lados de su cabeza mientras un amante angustiado sostiene su cabeza en la desesperación.
Munch estaba en París en noviembre de 1889 cuando un amigo le entregó una carta. Verificando que contenía malas noticias, se despidió del amigo y se fue solo a un restaurante cercano, desierto excepto por un par de camareros, donde leyó que su padre había muerto de un derrame cerebral., Aunque su relación había sido tensa—»él no entendía mis necesidades; Yo no entendía las cosas que más apreciaba», observó una vez Munch—la muerte lo trastornó. Ahora cabeza de una familia financieramente presionada, estaba sobrio por la responsabilidad y atrapado por el remordimiento de que no había estado con su padre cuando murió. Debido a esta ausencia, no pudo liberar sus sentimientos de dolor en una pintura de la escena de la muerte, como lo había hecho cuando su madre y su hermana Sophie murieron., Noche en Saint Cloud (pintado en 1890), un interior azul de mal humor de su apartamento suburbano de París, captura su estado de ánimo. En él, una figura sombría con sombrero de Copa—su compañero de cuarto, el poeta danés Emanuel Goldstein—mira por una ventana las brillantes luces del Río Sena. La luz de la tarde, que fluye a través de una ventana con parteluz, proyecta un patrón simbólico de una cruz en el suelo, evocando el espíritu de su padre devoto.
Después de la muerte de su padre, Munch se embarcó en la etapa más productiva, aunque más problemática, de su vida., Dividiendo su tiempo entre París y Berlín, emprendió una serie de pinturas que llamó el friso de la vida. Produjo 22 obras como parte de la serie para una exposición de 1902 del friso en Berlín. Sugestivos de su estado de ánimo, las pinturas llevaban títulos como melancolía, celos, desesperación, ansiedad, muerte en el cuarto del enfermo y el grito, que pintó en 1893. Su estilo varía dramáticamente durante este período, dependiendo de la emoción que estaba tratando de comunicar en una pintura en particular., Se volcó a una sensualidad Art Nouveau para Madonna (1894-95) y a un simbolismo estilizado y cargado psicológicamente para Summer Night’s Dream (1893). En su magnífico Autorretrato con cigarrillo de 1895, pintado mientras estaba febrilmente comprometido con el friso de la vida, empleó la pincelada parpadeante de Whistler, raspando y frotando la chaqueta del traje para que su cuerpo aparezca tan evanescente como el humo que sale del cigarrillo que sostiene ardiendo cerca de su corazón., En Death in The Sickroom, una evocación conmovedora de la muerte de Sophie pintada en 1893, adoptó los atrevidos contornos gráficos de van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec. En él, él y sus hermanas se asoman en primer plano, mientras que su tía y su padre orante atienden a la niña moribunda, que está oscurecida por su silla. A través del vasto espacio que divide a los hermanos vivos (retratados como adultos) de su hermana moribunda, El ojo del espectador es atraído hacia la cama desocupada y las medicinas inútiles en la parte trasera.
el friso obtuvo una amplia aprobación en Berlín, y Munch fue de repente coleccionable., «A partir de la combinación del placer Nórdico crudo en el color, la influencia de Manet y una inclinación por la ensoñación, brota algo bastante especial», escribió un crítico. «Es como un cuento de hadas,» Munch se regocijó en una carta a su tía. Pero a pesar de su placer en su éxito atrasado, Munch permaneció lejos de ser feliz. Algunas de las pinturas más fuertes de la serie fueron las que había completado más recientemente, la crónica de una historia de amor que indujo la miseria que a menudo dijo que requería para su arte.
en 1898, en una visita a Kristiania, Munch había conocido a la mujer que se convertiría en su cruel musa., Tulla Larsen era la rica hija del principal comerciante de vinos de Kristiania, y a los 29 años todavía no estaba casada. Los biógrafos de Munch han confiado en sus relatos a veces conflictivos y lejos de ser desinteresados para reconstruir la atormentada relación. Por primera vez vio a Larsen cuando llegó a su estudio en compañía de un artista con el que compartía el espacio. Desde el principio, ella lo persiguió agresivamente. En su relato, su aventura comenzó casi en contra de su voluntad. Huyó—a Berlín, luego en una carrera de un año a través de Europa. Ella me siguió. Se negaría a verla, y luego sucumbiría., Conmemoró su relación en la danza de la vida de 1899-1900, ambientada en la noche de verano en Aasgaardstrand, el pueblo costero donde una vez estuvo con Millie Thaulow y donde, en 1897, había comprado una pequeña cabaña. En el Centro de la imagen, un personaje masculino con los ojos vacíos, representando al propio Munch, baila con una mujer en un vestido rojo (probablemente Millie). Sus ojos no se encuentran, y sus cuerpos rígidos mantienen una distancia infeliz., A la izquierda, se ve a Larsen, de pelo dorado y sonriendo benévolamente, con un vestido blanco; a la derecha, aparece de nuevo, esta vez frunciendo el ceño con un vestido negro, su rostro tan oscuro como la prenda que lleva, sus ojos abatidos en desoladora decepción. En un césped verde, otras parejas bailan lujuriosamente en lo que Munch había llamado esa «danza trastornada de la vida», una danza a la que no se atrevió a unirse.Larsen anhelaba que Munch se casara con ella. Su casa de campo Aasgaardstrand, que ahora es una casa museo, contiene el cofre de boda Antiguo, hecho para el ajuar de una novia, que ella le dio., Aunque escribió que el tacto de sus» labios estrechos y pegajosos » se sentía como el beso de un cadáver, cedió a sus imprecaciones e incluso llegó a hacer una propuesta a regañadientes. «En mi miseria creo que al menos serías más feliz si nos casáramos», le escribió. Entonces, cuando ella vino a Alemania para presentarle los papeles necesarios, los perdió. Insistió en que viajaran a Niza, ya que Francia no requería estos documentos. Una vez allí, escapó a través de la frontera a Italia y, finalmente, a Berlín en 1902 para poner en escena la exposición friso de la vida.,
ese verano, Munch regresó a su casa de campo en Aasgaardstrand. Buscó la paz, pero bebiendo mucho y peleando públicamente, no la encontró. Luego, después de más de un año de ausencia, Larsen reapareció. Ignoró sus insinuaciones, hasta que sus amigos le informaron que estaba en una depresión suicida y tomando grandes dosis de morfina. A regañadientes accedió a verla. Hubo una pelea—y de alguna manera—se desconoce la historia completa-se disparó con un revólver, perdiendo parte de un dedo en su mano izquierda y también infligiéndose a sí mismo una lesión psicológica menos obvia., Propenso a sentimientos exagerados de persecución-en su pintura Gólgota de 1900, por ejemplo, se representó a sí mismo clavado a una cruz-Munch magnificó el fiasco en su mente, hasta que asumió una escala épica. Describiéndose a sí mismo en tercera persona, escribió: «todos lo miraban, su mano deforme. Notó que aquellos con los que compartía mesa estaban disgustados al ver su monstruosidad.»Su ira se intensificó cuando Larsen, poco tiempo después, se casó con otro artista. «Me había sacrificado innecesariamente por una puta», escribió.,
en los años siguientes, su consumo de alcohol, que durante mucho tiempo había sido excesivo, se volvió incontrolable. «Las rabias venían cada vez más a menudo ahora», escribió en su diario. «La bebida estaba destinada a calmarlos, especialmente por la mañana, pero a medida que avanzaba el día me puse nervioso, enojado. Angustiado como estaba, todavía logró producir algunas de sus mejores obras, incluyendo un cuadro (ejecutado en varias versiones) en el que se utiliza como modelo para el asesinado revolucionario francés Marat, y Larsen es elegido como la asesina de Marat, la sombría e implacable Charlotte Corday., Su autorretrato de 1906 con una botella de vino, en el que se pinta solo en una mesa de restaurante, con solo un plato, una botella de vino y una copa, da testimonio de una intensa inquietud. Dos camareros están detrás de él en el restaurante casi vacío, evocando el escenario en el que había leído de la muerte de su padre.
en el otoño de 1908, Munch se derrumbó en Copenhague. Al escuchar voces alucinatorias y sufrir parálisis en su lado izquierdo, fue persuadido por su antiguo compañero de cuarto del apartamento de Saint-Cloud, Emanuel Goldstein, para que se registrara en un sanatorio privado en las afueras de la ciudad., Allí redujo su consumo de alcohol y recuperó algo de estabilidad mental. En mayo se marchó, vigoroso y con ganas de volver a su caballete. Casi la mitad de su vida permaneció. Sin embargo, la mayoría de los historiadores del arte estarían de acuerdo en que la gran preponderancia de su mejor obra fue creada antes de 1909. Sus últimos años serían menos tumultuosos, pero a un precio de aislamiento personal. Reflejando este punto de vista, el MoMA dedica menos de una quinta parte del espectáculo a su producción posterior a 1909. «En sus últimos años», explica el curador McShine, » no hay tantas pinturas conmovedoras como cuando estaba involucrado con la vida.,en 1909, Munch regresó a Noruega, donde comenzó a trabajar en una importante serie de murales para el salón de actos de la Universidad de Oslo. Aún en su lugar, las decoraciones del Aula, como se conocen los murales, señalaban la nueva determinación de Munch de mirar el lado positivo, en este caso literalmente, con una pieza central de un sol deslumbrante. En la recién independiente Noruega, Munch fue aclamado como el artista nacional, al igual que el entonces recientemente fallecido Henrik Ibsen y Edvard Grieg sirvieron, respectivamente, como escritor y compositor Nacional. Junto con su nueva fama vino la riqueza, pero no la serenidad., Manteniendo su distancia de un público alternativamente adorador y desdeñoso, Munch se retiró a Ekely, una finca de 11 acres en las afueras de Oslo que compró en 1916 por una suma equivalente al precio de dos o tres de sus pinturas. A veces defendió su aislamiento como necesario para producir su trabajo. En otras ocasiones, insinuó que era necesario para mantener su cordura. «La segunda mitad de mi vida ha sido una batalla solo para mantenerme en pie», escribió a principios de la década de 1920.,
en Ekely, Munch se dedicó a la pintura de paisajes, que representa el campo y la vida de la granja a su alrededor, Al principio con color alegre, más tarde en tonos más sombríos. También volvió a sus imágenes favoritas, produciendo nuevas interpretaciones de algunas de las pinturas de Frieze of Life. En sus últimos años, Munch apoyó financieramente a los miembros sobrevivientes de su familia y se comunicó con ellos por correo, pero decidió no visitarlos. Pasó gran parte de su tiempo en soledad, documentando las aflicciones e indignidades de sus años de avanzada., Cuando fue afectado por una gripe casi fatal en la gran pandemia de 1918-19, registró su figura demacrada y Barbuda en una serie de autorretratos tan pronto como pudo recoger un pincel. En 1930, después de que un vaso sanguíneo se reventara en su ojo derecho y disminuyera su visión, pintó, en obras como Autorretrato durante la enfermedad ocular, el coágulo tal como se le apareció, una gran esfera púrpura irregular. A veces le daba a la esfera una cabeza y un pico afilado, como un ave de rapiña demoníaca. Finalmente, se fue volando; su visión volvió a la normalidad.,
en Autorretrato entre el reloj y la cama, que data de 1940-42, no mucho antes de la muerte de Munch, podemos ver lo que había sido del hombre que, como escribió, se quedó atrás de «la danza de la vida.»Luciendo rígido y físicamente incómodo, se encuentra atrapado entre un reloj de pie y una cama, como si se disculpara por ocupar tanto espacio. En una pared detrás de él, sus «hijos» están dispuestos, uno encima del otro. Como un padre devoto, sacrificó todo por ellos.
