Las 25 Mejores Canciones de rock acústico

Slash podría haberlo dicho mejor: «no hay mentira con la guitarra acústica. Hay algo muy puro, y muy humillante, en ello.»

una profunda declaración de uno de los guitarristas eléctricos más célebres del rock ‘n’ roll.,

limina toda la basura de overdubs de múltiples capas, efectos de rack y sinfonías infinitas de pistas, y separa a los Dodgers que se esconden detrás de Studio Wizardry y los artistas que conocen una gran canción solo necesitan seis cuerdas y una melodía.

Aquí están 25 de los mejores rockeros acústicos del hard-rock., Algunos son puros atascos acústicos, otros solo comienzan de esa manera antes de ascender a grand opuses. Pero lo que hace que estas canciones sean icónicas es su simplicidad elemental. En otras palabras, todo lo que necesitas para darles vida es una guitarra acústica y un poco de sentimiento.

y por el aspecto de estos rockeros, algunas joyas llamativas ayudan. Tenga en cuenta que estas canciones no se presentan en ningún orden en particular.,

Led Zeppelin-Stairway To Heaven (1971)

Led Zeppelin III fue en gran parte un asunto unplugged, pero Stairway to Heaven, del seguimiento de la banda, gana el premio a la excelencia en la guitarra acústica. Los arpegios delicadamente seleccionados por Jimmy Page hicieron de la canción el momento acústico definitivo de Zeppelin y rock.

a lo largo de los años, Stairway to Heaven ha dominado innumerables listas de «canciones de rock más grandes de la historia», gracias a su fascinante mezcla de misticismo lírico, genio compositivo y de producción y virtuosismo instrumental.,

pero su momento más celebrado sigue siendo la introducción no acompañada de Page: ya sea escuchada en una radio o tocada por un niño con granos en una tienda de guitarras, todo lo que se necesita son esas primeras notas de guitarra acústica y puedes nombrar instantáneamente esa melodía.

Boston – More Than a Feeling (1976)

los elevados leads de Tom Scholz (grabados con una versión temprana de su unidad de amplificador Rockman) y los ritmos crujientes de guitarra eléctrica de múltiples pistas tienen más que un poco que ver con más de un sentimiento convirtiéndose en uno de los himnos más duraderos del rock clásico., Pero es la intro acústica arpegiada de la canción lo que pone a los fans en el estado de ánimo.

trabajando como una especie de banda de un solo hombre en su sótano, Scholz, uno de los primeros tipos DIY de la música, tocó todas las partes de guitarra en Feeling. Para la introducción arpegiada y los versos, usó una Yamaha de 12 cuerdas; los coros más rasgueados requerían un Guild D-40.

un poco de trivia: notando las similitudes entre More Than a Feeling y Smells Like Teen Spirit, Kurt Cobain se burló de los fans en el Reading Festival de Nirvana de 1992 con algunos bares del Boston classic.,

Kansas – Dust In The Wind (1977)

Cuando Vicci Livgren escuchó a su esposo, el guitarrista de Kansas Kerry, practicando ejercicios con los dedos en su acústica un día, le dijo que escuchó una canción allí y le sugirió que agregara algunas letras. Escuchó, y el resultado fue polvo en el viento.

«Dust in The Wind», una salida de la característica bombast de rock progresivo de Kansas, fue una meditación cruda y lastimera sobre el significado de la vida., Mientras que muchos asumen que la pista cuenta con una acústica de 12 cuerdas, el sonido Rich unplugged es en realidad el resultado de múltiples seis cuerdas (algunas en Nashville tuning), interpretado por Livgren y el co-guitarrista Rich Williams.

La canción se convirtió en el único sencillo Top-10 de Kansas, alcanzando el número seis en 1978. En los años posteriores, se ha convertido en una especie de piedra de toque cultural, apareciendo en todas partes, desde programas de televisión como Los Simpson y Family Guy hasta películas como Bill & Ted’s Excellent Adventure and Old School.,

The Rolling Stones – Street Fighting Man (1968)

uno podría suponer que este grito rebelde, lanzado durante el tumultuoso verano de 1968, rabiaría con el sonido de guitarras eléctricas. No es así: con la excepción de un bajo eléctrico, interpretado por Keith Richards, la pista es 100 por ciento acústica.

preparando una demo para la canción, Richards puso un micrófono a dos acoustics y los grabó en una grabadora de casete Phillips mono barata., El guitarrista estaba tan enamorado de la distorsión resultante (la máquina no tenía limitadores, causando que la señal se sobrecargara) que decidió ir al naturale y deshacerse de las eléctricas.

The Who – Pinball Wizard (1969)

en 1969, Pete Townshend era conocido tanto por romper guitarras como por tocarlas. Pero en The Who’s ground breaking Tommy, demostró unas asombrosas habilidades de seis cuerdas.

y con una acústica en sus manos (echa un vistazo a It’S A Boy por un hábil trabajo de blues-meets-flamenco), era imparable., Aunque las eléctricas refuerzan los versos y coros de la pieza central del álbum, Pinball Wizard, una Gibson J-200 acústica de 1968 es el instrumento dominante en todo.

Los acordes de Townshend furiosamente rasgueados (que él consideraba ‘barroco simulado’), escuchados en la sección de introducción y desglose, proporcionan el tipo de poder y majestad que corresponde a una ópera rock genuina.,

Bad Company – Feel Like Makin’ Love (1975)

como la primera banda que firmó con el sello Swan Song de Led Zeppelin, Bad Company, liderada por el ex cantante libre Paul Rodgers y el ex guitarrista de Mott the Hoople Mick Ralphs, siguió el liderazgo de sus jefes y se especializó en blues rock sudoroso y ostentoso.

tomando otra lección de los Zepmen, Ralphs yuxtapuso la acústica de campanadas con acordes de potencia explosivos en este top 10 smash, con un efecto maravilloso.,

la acústica brillante y jangly le da un ambiente relajado a los versos, mientras que las guitarras eléctricas en el coro gritan con rock Británico grande y descarado. Presumiblemente, un buen número de personas se sentía con ganas de hacer el desagradable después de escuchar este corte.

Johnny Thunders – So Alone (1978)

como miembro de los proto-punk glam-rockers The New York Dolls, y más tarde con su propia banda, The Heartbreakers, Johnny Thunders sabía cómo repartir rough-and ragged three-chord rock. Y con una Les Paul Junior colgada muy por debajo de su cintura, tenía escrito ‘cool’ por todas partes.,

así que fue una sorpresa cuando Thunders, en su álbum debut en solitario, emitió esta balada poética acústica. Templando su estilo patentado, el cantautor expone su estilo de vida drogadicto con franqueza inquebrantable, prácticamente acariciando las cuerdas de su guitarra en el proceso.

melancólico y arrepentido, la canción ha llegado a servir como una elegía de clases para los Thunders problemáticos, que murió de una aparente sobredosis de drogas en 1991. (El título de la canción, cabe señalar, fue levantado de una línea hablada en un episodio de la sitcom de televisión de los años 50 The Honeymooners. Punk rock, de hecho.,)

Rush – Closer to the Heart (1977)

en 1977, Rush se había establecido firmemente como proveedores de gloriosos opus de ciencia ficción de 20 minutos que podían llenar lados enteros del álbum. Pero en este, su quinto lanzamiento de estudio, El Canadian prog trio demostró su capacidad para ser hooky, conciso y, con Closer to the Heart, amigable con la radio.

quizás el aspecto más sorprendente de la suave y sonante introducción de guitarra acústica de 12 cuerdas de la canción es que fue escrita por el bajista Geddy Lee, en lugar del guitarrista Alex Lifeson., La misma figura se repite más tarde después de un solo de guitarra eléctrica particularmente desgarrador, solo que esta vez la acústica de 12 cuerdas se duplica inteligentemente por una eléctrica de seis cuerdas.

cuando se trata de Rush, por supuesto, las contribuciones del baterista extraordinario Neil Peart nunca se pueden pasar por alto. Aquí, añade un montón de campanas y silbatos en todo. Vale… en realidad son campanillas.

Yes-Roundabout (1971)

recoger un Martin 00-8 acústico, puntear armónicos de octava en el traste 12 (que comprende esencialmente un acorde Em)y listo!, – tendrás un cuarto entero de guitarreros sentados y tomando nota. Y con una buena razón, este simple movimiento es la línea de apertura de Steve Howe a Roundabout, el gran éxito de Yes en 1971.

hazte más allá de la introducción armónica de Howe sin acompañamiento, y tal vez tengas la oportunidad de dominar esta intrincada obra maestra del prog-rock, en la que la acústica y la electricidad, tocadas en esplendor clásico, jazzy y rockero, se entrelazan, salen y ‘roundabout’. En cuanto a las letras, esto es prog – estás por tu cuenta allí.,

Randy Rhoads – dee (1980)

con su giro inventivo y neoclásico en la ya establecida bolsa de trucos de Eddie Van Halen, Randy Rhoads se convirtió en el nuevo rey de la guitarra de heavy metal después de que los fans escucharan su trabajo en el debut en solitario de Ozzy Osbourne en 1980, Blizzard of Ozz. Pero mientras que los rockeros de Ozz electrizados como Crazy Train y I Don’t Know cautivaron a las masas de metal, fue la pieza clásica en solitario Dee la que fue la verdadera obra maestra de Rhoads.,

Rhoads creció en una familia musical – su madre, Delores, dirige una escuela de música en North Hollywood, California – por lo que era lógico que «Dee», los 49 segundos de la misma, rindiera homenaje a la mujer que inspiró y nutrió sus sueños. Seleccionado con el dedo en una acústica de nylon fuerte, la pieza es por turnos juguetona, melancólica, desgarradora y esperanzadora.

trágicamente, Rhoads murió en un accidente aéreo de 1982, a la edad de 25 años. Cinco años más tarde, Ozzy Osbourne incluyó una versión extendida de Dee en su álbum Tribute, recordándonos a todos el inmenso y en gran parte inexplorado talento de Rhoads.,

Van Halen – ¿Puede Ser Esta la Magia? (1980)

Eddie Van Halen dio mucho que masticar a los fetichistas acústicos en 1979 con Spanish Fly, un colibrí-rápido instrumental flamenco de Van Halen II. pero los guitarristas de todas las tendencias encontraron mucho que gustar en el blues-y borracho, un poco fuera de onda ¿podría ser esto mágico?

la pista, que marca el primer momento de cuello de botella grabado del guitarrista, encuentra la diapositiva acústica caprichosa de Eddie tocando expertamente la voz de David Lee Roth en los versos.,

la idea de usar un slide vino del productor Ted Templeman, y mientras Eddie estaba inicialmente receloso de probarlo, practicó durante unos días y, en el estilo típico de VH, sacó el papel con aplomo.

otra primicia: ¿podría Esto ser mágico? representa el debut de un cantante externo en un álbum de Van Halen. Templeman sugirió un sonido diferente para uno de los coros y trajo a la cantante country Nicolette Larson, que estaba trabajando en un estudio vecino, para prestar apoyo vocal. Escuche de cerca siguiendo el solo de diapositivas de Eddie para escuchar a Larson y Diamond Dave hacer sweet harmonized magic.,

Bon Jovi – Slippery When Wet (1986)

La historia es leyenda: Jon Bon Jovi y Richie Sambora entran en los MTV Video Music Awards de 1989, hacen el dúo acústico en Wanted Dead or Alive, y antes de que puedas decir ‘dreadnought’, nace la serie Unplugged.

la canción tampoco se queda atrás. En él, Sambora establece un trabajo de dedo acústico de lujo, eligiendo arpegios descendentes y curvas blues mientras JBJ rueda su fascinación por el Viejo Oeste en una historia sobre el cansancio de la vida en la carretera.,

el resultado fue un gran éxito, asegurando que Bon Jovi vería un millón de caras y las sacudiría durante muchos años.

Metallica – Fade To Black (1984)

grabado en los primeros días del thrash, Fade To Black es reconocido como la primera ‘power ballad’del género. Una rumia de siete minutos sobre la desesperación y el suicidio, la canción está construida alrededor del cantante y guitarrista James Hetfield triste, arpegiado acústico picking, sobre el que Kirk Hammett añade algunas pistas eléctricas hermosas y altísimas.,

Por supuesto, siendo esto Metallica, las cosas permanecen dulces y suaves solo por un tiempo. A mitad de camino, la canción se construye en intensidad, cambiando los ritmos y añadiendo un montón de seis cuerdas muy distorsionadas, culminando en un solo de Hammett extendido y explosivo.

mientras que los Hardcore metalheads en ese momento acusaron a Metallica de venderse al grabar una balada, Fade To Black sigue siendo una de las canciones más conocidas y queridas del grupo, y es un elemento básico del concierto hasta el día de hoy. Además, como ha dicho Hetfield, » limitarse a complacer a su audiencia es una mierda.,»

Poison – Every Rose Has Its Thorn (1988)

Cuando piensas en las power ballads de los 80, una canción destaca cabeza, cabello y hombros por encima del resto: Every Rose Has Its Thorn.

escrito por el cantante Bret Michaels después de descubrir que su novia lo había estado engañando, el éxito de 1988 demostró que los tipos de glam-metal también tienen sentimientos.

mientras que la versión grabada presenta un solo de guitarra eléctrica típicamente histriónico de Poison C. C. DeVille, la franqueza lírica de Michaels, la sólida construcción de la canción y la fuerte interpretación acústica gobiernan el día.,

Michaels ha dicho que «la gente relacionada con la canción porque me relacioné con la canción», y de hecho, cada Rosa tiene su espina, que alcanzó el número uno en 1988, desde entonces se ha convertido en una melodía definitoria de la era. En cuanto a esa novia, ahora es una inversionista de fondos de cobertura.

Guns N’ Roses – Patience (1988)

aunque GN’R Lies cuenta con una serie de pistas acústicas, incluyendo The country-ish, darkly comedic Used to Love Her («but I had to kill her» …, ), fue the lovelorn Patience, una balada de ritmo glacial, la que marcó el giro a la izquierda más radical para el grupo normalmente hard Rock, y también les dio uno de sus mayores éxitos.

la canción fue grabada en una sola toma, con los guitarristas Slash e Izzy Stradlin y el bajista Duff McKagan en Acústica. Axl Rose, por su parte, aporta algunos silbidos finos en la introducción.

los últimos dos minutos son el momento Kumbaya de Gn’R, con toda la banda arrullando el título de la canción en dulce armonía. Entonces todo el mundo se peleó, pero esa es otra historia.,

Jane’s Addiction – Jane Says (1988)

tiene cinco minutos de duración, presenta solo dos acordes (sol y la) y, con su ornamentación de tambor de acero, suena como algo que Jimmy Buffett podría haber evocado después de una orgía de tres días de bizcocho y margaritas. Sin embargo, Jane Says sigue siendo una de las canciones más duraderas de la banda de punk-metal de Los Ángeles.

quizás su durabilidad puede atribuirse al hecho de que no encaja perfectamente en el canon del grupo., En lugar del metal psicodélico frenético enviado con fuerza tectónica, obtenemos una cancioncilla acústica melancólica y directa, hecha a medida para fogatas y comidas al aire libre en el patio trasero. Viniendo de Perry Farrell, Dave Navarro y compañía., eso es bastante impactante.

Extreme-More Than Words (1990)

a finales de los 80, Extreme se hizo un hueco como los hard rockeros más funk del bloque, con un sonido que, gracias al héroe de la guitarra Nuno Bettencourt, se extendía entre Van Halen shred y Aerosmith strut., Y así fue como una patada en la cabeza cuando Bettencourt y el cantante Gary Cherone desataron el homenaje de Everly Brothers más que palabras.

aparte de un par de chasquidos de dedos, el único acompañamiento a las voces armonizadoras de Cherone y Bettencourt fue el toque de dedos de Bettencourt en una acústica de Washburn y el golpeteo percusivo de su mano contra la parte superior de la guitarra.

18.El resultado fue un gran éxito: More Than Words alcanzó el número uno en las listas de Billboard en 1991, y llevó a una generación de aspirantes a héroes a dejar la electricidad, agarrar una acústica y golpearla.,

The Black Crowes – She Talks To Angels (1990)

Jealous Again, Twice as Hard and Hard to Handle put Atlanta ‘ s Black Crowes on the map as a raucous, genuine-article blues-rock ensemble. Pero fue este conmovedor número acústico sobre los estragos de la adicción a la heroína lo que puso a la banda en la cima y le dio una canción Número uno.

para la grabación, el guitarrista Rich Robinson (quien escribió la música de la canción cuando tenía solo 15 años) tocó un Martin D-28 en Re abierto., Aunque él capoed el 2do traste, efectivamente dándole una afinación E abierta, hay una cierta sensación y textura a su sonido que se ajusta a la naturaleza desgarradora de la pista. Agregue la voz conmovedora y anhelante del hermano Chris Robinson, y tendrá algo verdaderamente celestial.

Queensrÿche – Silent Lucidity (1990)

Let’s say you’re a proggy metal band (from Seattle, of all places), best known for releasing a kitchen-sink concept album (1988’s Operation: Mindcrime) about government overthrow… o algo así. ¿Qué haces para un bis?, Si eres Queensrÿche, preparas una canción acústica sobre la conciencia de los sueños… o algo así.

Silent Lucidity presenta al compositor y guitarrista de Queensrÿche Chris DeGarmo en la guitarra española de seis cuerdas en la introducción y los versos, tocando un patrón dulcemente arpegiado que mezcla maravillosamente notas con trastes y cuerdas abiertas.

la canción va a la deriva constantemente, añadiendo electricidad, voces en OFF e hinchando la orquestación hasta prácticamente romper las costuras con el sonido. Y sin embargo, termina como empezó, con la acústica solitaria de DeGarmo. Y luego, silencio.,

Alice In Chains – No Excuses (1994)

con su EP en su mayoría acústico de 1992, Sap, Alice In Chains notó que tenían más que ofrecer que simplemente Grunge distorsionado. Melódica y llena de belleza sombría, Sap preparó el escenario para Jar of Flies, que estableció firmemente AIC como una banda de profundidad poco común, aunque muy sombría.

Sin excusas marcó algo de una salida para la banda. Con su ritmo suave y tranquilo y sus letras esperanzadoras (al menos para Alice in Chains) sobre las colinas y valles de la vida, No Excuses es prácticamente puntual y oportuno.,

pero la verdadera revelación es el sonido acústico del guitarrista Jerry Cantrell: lleno, sonando y sonando durante días. No se necesitan excusas para eso.

Green Day – Good Riddance (Time of Your Life) (1997)

al grabar lo que sería la versión del álbum de esta balada acústica, el líder de Green Day Billie Joe Armstrong flubbed el acorde de Sol / Re de apertura – dos veces – y después de la segunda vez deadpanned, «Fuck.,»

afortunadamente, siguió adelante, y, a pesar de la improperia pronunciada, Good Riddance (Time of Your Life) disfrutó de un gran éxito de crossover y se erige como el mayor éxito de la banda hasta la fecha. Lo cual apenas se anticipó.

en ese momento, Green Day eran considerados poco más que mocosos, aunque Multi-Platino, rufianes del área de la bahía, y una balada acústica de guitarra y cuerdas no era lo que la mayoría de la gente esperaba escuchar de ellos.

por esa razón, el bajista Mike Dirnt llamó a la canción la cosa ‘más punk’ que podrían haber hecho., Lo que demuestra que incluso los punks pueden llevar el corazón en las mangas.

Nirvana – Lake of Fire (1994)

por su aparición en Unplugged de MTV, Nirvana se abstuvo de tocar algunos de sus mayores éxitos (no Smells Like Teen Spirit, por ejemplo) a favor de material menos conocido y versiones de canciones de artistas que conocían y admiraban.

uno de esos artistas fueron los Meat Puppets de Arizona, uno de los favoritos de Kurt Cobain., Y así, en la noche del 18 de noviembre de 1993, en un escenario decorado con flores y velas negras, Cobain invitó a Curt y Cris Kirkwood de los títeres para, entre otras canciones, un suave recorrido por su pantanoso Lago de fuego.

con Krist Novoselic, Dave Grohl y los Kirkwoods sosteniendo el acompañamiento, Cobain dejó de lado su guitarra para afinar las voces, aullando a través de las letras impresionistas.

la actuación se convirtió en uno de los aspectos más destacados del espectáculo, y hasta el día de hoy la canción está tan asociada con Nirvana como con sus creadores.,

Foo Fighters – Everlong (acoustic) (2006)

la versión de banda completa de Everlong, que apareció en el álbum de 1997 de The Foo Fighters, The Colour and the Shape, era una furiosa losa de rock que parecía difícil de superar. Pero cuando Dave Grohl apareció en el programa de radio de Howard Stern más tarde ese año y realizó una versión acústica improvisada, los oyentes se volvieron locos, y los bootlegs pronto abundaron. (David Letterman más tarde llamaría a Everlong su «canción favorita».,)

Musicalmente, la composición es positivamente Townshend-esque, construido alrededor de una progresión simple y móvil en una afinación drop-D (D-A-D-G-B-E). La versión de estudio cuenta con Dave Grohl bombeando salvajemente en la batería (Taylor Hawkins aún no se había unido a la banda), pero es su tensa lectura acústica en solitario lo que realmente acelera los pulsos.,

Staind-Outside (2001)

Las guitarras eléctricas Sludgy, down-tuned bulldoze los coros de la grabación oficial, pero originalmente esta canción era una balada totalmente acústica: el cantante de Staind Aaron Lewis solía realizar una versión a medio terminar de Outside durante los conciertos en solitario.

Una noche en Biloxi, Mississippi, mientras Staind se preparaba para abrir para Limp Bizkit en el Family Values Tour de 1999, se le pidió al cantante que hiciera un número con Fred Durst como coros.,

en el escenario, a Lewis se le ocurrieron las letras para completar la melodía que había estado trabajando durante meses. Las estaciones de Radio recogieron la versión acústica en vivo y ayudaron a construir un zumbido durante meses antes de que la versión oficial fuera lanzada en Break the Cycle. La canción – y el éxito del álbum – lanzó mil baladas nu-metal power a su paso.

Nickelback – Photograph (2005)

vendió más de 1,4 millones de descargas digitales en los Estados Unidos.,, alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100 y fue votado como la quinta ‘canción más molesta de todos los tiempos’ en una encuesta de Rolling Stone. Tal es el caso de la fotografía de Nickelback: love it or hate it, the tune gets a reaction.

como muchas baladas de energía teñidas de país, las guitarras eléctricas encienden los coros de la canción, pero la columna vertebral de la fotografía descansa en el rasgueo sincero de un hacha desenchufada. Y si es una fórmula que Chad Kroeger y compañía. se han repetido con gran éxito, así como decenas de bandas de rock moderno que han seguido la estela de la banda.,

Lo más probable es que cuando una poderosa balada con grandes guitarras y un coro aún más grande se abre camino en las listas de hoy, hay un poco de esa magia fotográfica en algún lugar.